Architetto, urbanista, teorico, pittore e designer, Le Corbusier ha costruito un’idea di modernità fondata sulla chiarezza delle forme, sull’uso razionale dello spazio e su una visione dell’abitare capace di superare l’ornamento per arrivare alla struttura profonda del progetto.

Nato come Charles-Édouard Jeanneret-Gris, Le Corbusier attraversa la prima metà del Novecento con uno sguardo insieme tecnico e visionario. Le sue case, i suoi edifici collettivi, i suoi piani urbani e i suoi scritti hanno contribuito a ridefinire il ruolo dell’architettura nella società moderna. La casa diventa organismo, macchina, rifugio, dispositivo spaziale. La città diventa sistema. La luce entra nel progetto come materia. Il cemento armato apre possibilità costruttive nuove.

Il suo pensiero ha generato capolavori come Villa Savoye, l’Unité d’Habitation di Marsiglia, la Cappella di Notre-Dame du Haut a Ronchamp, Maison La Roche e il progetto urbano di Chandigarh. Opere diverse tra loro, unite da una tensione comune: dare forma a un’architettura capace di interpretare il proprio tempo.

Studiare Le Corbusier significa entrare nel cuore della modernità architettonica. Significa comprendere come il progetto possa modificare il modo di abitare, di muoversi nello spazio, di pensare la relazione tra individuo e collettività. La sua opera resta ancora oggi un riferimento centrale per architetti, designer, studenti e appassionati, perché mette insieme metodo, visione, disciplina formale e una domanda essenziale: come deve essere lo spazio dell’uomo moderno?

Le Corbusier in breve

Nome di nascita: Charles-Édouard Jeanneret-Gris
Conosciuto come: Le Corbusier
Nascita: 6 ottobre 1887, La Chaux-de-Fonds, Svizzera
Morte: 27 agosto 1965, Roquebrune-Cap-Martin, Francia
Professione: architetto, urbanista, designer, pittore, teorico e scrittore
Movimento: Movimento Moderno
Opere principali: Villa Savoye, Unité d’Habitation di Marsiglia, Cappella di Ronchamp, Maison La Roche, Chandigarh
Temi centrali: funzionalismo, razionalismo, spazio libero, luce, cemento armato, casa moderna, città contemporanea
Perché è importante: ha contribuito a definire una nuova idea di architettura, fondata su funzione, struttura, proporzione, vita quotidiana e trasformazione urbana.

Fonte: Fondation Le CorbusierArchitettura – Archi & Interiors

Chi era Le Corbusier: vita e formazione dell’architetto modernista

Le Corbusier nasce il 6 ottobre 1887 a La Chaux-de-Fonds, città svizzera legata alla tradizione orologiera e alla precisione del lavoro artigianale. Il suo nome di nascita è Charles-Édouard Jeanneret-Gris. Cresce in un ambiente in cui tecnica, manualità e senso della misura fanno parte della cultura quotidiana: un’origine che aiuta a comprendere la sua attenzione per il dettaglio, per la struttura e per la disciplina del progetto.

La sua formazione inizia nel campo delle arti decorative, ma presto si allarga verso l’architettura, il disegno, la pittura e la teoria. Il giovane Jeanneret osserva l’Europa in trasformazione, viaggia, studia, entra in contatto con culture architettoniche diverse. Comprende che il progetto moderno non può più limitarsi a ripetere forme ereditate dal passato. L’architettura deve misurarsi con la società industriale, con i nuovi materiali, con la produzione, con la vita urbana e con il bisogno di abitazioni più razionali.

Il trasferimento a Parigi segna una svolta decisiva. La capitale francese è, negli anni tra le due guerre, uno dei centri più fertili della sperimentazione artistica e architettonica europea. Qui Jeanneret matura il proprio linguaggio, lavora sul rapporto tra arte e costruzione, sviluppa il pensiero purista insieme ad Amédée Ozenfant e partecipa alla fondazione della rivista L’Esprit Nouveau. È in questo contesto che prende forma anche il nome Le Corbusier, pseudonimo che userà a partire dal 1920 e che diventerà una delle firme più influenti dell’architettura moderna.

La sua attività non resta mai confinata a una sola disciplina. Le Corbusier progetta edifici, disegna mobili, scrive libri, elabora teorie urbanistiche, dipinge, costruisce manifesti culturali. Questa natura plurale è fondamentale per comprenderne la grandezza: la sua architettura non nasce solo dal cantiere, ma da un sistema di pensiero. Ogni edificio diventa il frammento di una visione più ampia, in cui l’abitare privato, lo spazio collettivo, la città e il paesaggio sono parti di un unico discorso.

Nel corso della sua carriera, Le Corbusier lavora in Europa, in India, in America Latina e in Giappone, costruendo un’eredità internazionale. La sua figura resta complessa e, in alcuni aspetti, discussa: il suo pensiero urbanistico ha generato entusiasmi e critiche, la sua idea di città razionale è stata interpretata in modi diversi, talvolta anche lontani dalla qualità originaria della sua visione. Ma proprio questa complessità conferma il peso storico del suo lavoro.

Le Corbusier non è soltanto l’autore di alcuni edifici celebri. È un architetto che ha spostato il modo stesso di pensare l’architettura. Ha trasformato la casa in un tema teorico, la città in un campo di sperimentazione, il mobile in parte integrante del progetto, il cemento armato in linguaggio espressivo. La sua influenza attraversa ancora oggi scuole, studi professionali, mostre, ricerche e dibattiti.

Villa Savoye continua a essere letta come manifesto della casa moderna. L’Unité d’Habitation resta uno degli esperimenti più radicali sull’abitare collettivo. La Cappella di Ronchamp mostra la capacità di Le Corbusier di superare il rigore geometrico in una forma più plastica, spirituale, quasi scultorea. La sua opera dimostra che il moderno non è stato un solo stile, ma una stagione di domande profonde sul rapporto tra uomo, spazio e società.

Lo stile di Le Corbusier: razionalismo, funzione e nuova idea di spazio

Lo stile di Le Corbusier nasce da una visione precisa: l’architettura deve rispondere alla vita moderna con forme adeguate al proprio tempo. La casa non è più un contenitore decorato, ma uno spazio organizzato secondo luce, proporzione, funzione, movimento e struttura. Ogni scelta progettuale parte da una domanda concreta: come si abita? Come ci si muove? Come entra la luce? Come può l’edificio dialogare con il suolo, con il paesaggio e con il corpo di chi lo attraversa?

Il suo linguaggio è associato al razionalismo e al funzionalismo, ma ridurlo a una formula tecnica sarebbe limitante. Le Corbusier lavora con geometrie pure, volumi essenziali, superfici bianche, pilotis, finestre a nastro, tetti giardino, piante libere e facciate svincolate dalla struttura portante. Questi elementi non sono semplici segni estetici: rappresentano una nuova libertà progettuale resa possibile dai materiali moderni, in particolare dal cemento armato.

La celebre idea della casa come “macchina per abitare” va letta dentro questa prospettiva. Le Corbusier non intende cancellare la dimensione umana della casa, ma affermare che l’abitazione deve funzionare con la precisione di un organismo ben progettato. La modernità, per lui, richiede spazi efficienti, ariosi, luminosi, pensati per migliorare la vita quotidiana. La bellezza non nasce dall’aggiunta decorativa, ma dalla relazione tra proporzione, necessità e ordine.

Uno dei temi centrali del suo stile è la liberazione dello spazio. La struttura su pilotis solleva l’edificio dal terreno e permette un nuovo rapporto tra costruzione e paesaggio. La pianta libera consente di organizzare gli interni con maggiore flessibilità. La facciata libera separa l’immagine esterna dell’edificio dalla sua struttura portante. La finestra a nastro introduce una luce continua, orizzontale, capace di trasformare la percezione degli ambienti. Il tetto giardino restituisce alla casa una superficie abitabile, aperta, verde, sospesa.

Questi principi troveranno una formulazione chiara nei cinque punti dell’architettura moderna, ma attraversano tutta la sua opera come una grammatica progettuale. Villa Savoye ne è l’esempio più celebre: una casa bianca, sospesa, geometrica, attraversata dalla luce, costruita come percorso e come manifesto. L’Unité d’Habitation di Marsiglia, invece, applica la riflessione sulla casa alla scala collettiva, immaginando un edificio capace di contenere abitazioni, servizi, spazi comuni e una nuova idea di comunità verticale.

Accanto alla dimensione razionale, esiste anche un Le Corbusier più plastico e poetico. La Cappella di Notre-Dame du Haut a Ronchamp mostra un linguaggio diverso, fatto di masse curve, luce filtrata, spessore materico e rapporto intenso con il paesaggio. Qui l’architettura si allontana dalla purezza geometrica delle ville bianche e diventa esperienza sensoriale. Questo passaggio è essenziale per comprendere la sua evoluzione: Le Corbusier non resta fermo a un solo codice, ma attraversa la modernità sperimentando registri differenti.

Il suo stile, quindi, non coincide solo con il bianco, il cemento, la linea pura o la funzione. È un modo di pensare il progetto come sistema: un equilibrio tra forma e uso, individuo e collettività, tecnica e visione, regola e invenzione. Per questo Le Corbusier continua a essere studiato. La sua architettura non appartiene soltanto al passato, ma continua a interrogare il presente sul significato dell’abitare.

I cinque punti dell’architettura moderna secondo Le Corbusier

Tra i contributi più importanti di Le Corbusier c’è la formulazione dei cinque punti dell’architettura moderna, un insieme di principi progettuali destinati a diventare una delle sintesi più influenti del Movimento Moderno. Non si tratta di semplici regole compositive, ma di una nuova grammatica dello spazio, resa possibile dall’uso del cemento armato e da una diversa concezione della struttura.

Con i cinque punti, Le Corbusier libera l’edificio dai vincoli della muratura tradizionale. La casa può sollevarsi dal terreno, aprirsi alla luce, organizzare gli interni con maggiore flessibilità, trasformare il tetto in superficie abitabile e rendere la facciata un piano più libero, non più dipendente dai muri portanti.

Pilotis

I pilotis sono pilastri che sollevano l’edificio dal suolo. Questa scelta permette di liberare il piano terra, creare continuità visiva con il paesaggio e dare all’architettura una leggerezza nuova. L’edificio non appare più come una massa chiusa appoggiata al terreno, ma come un volume sospeso, attraversabile, inserito in una relazione più fluida con lo spazio circostante.

Tetto giardino

Il tetto giardino restituisce alla casa una superficie abitabile. Invece di essere solo copertura tecnica, il tetto diventa spazio da vivere, terrazza, luogo aperto, possibilità di contatto con l’aria e con il verde. È uno dei punti in cui la visione funzionale di Le Corbusier incontra una dimensione più umana: l’architettura non deve soltanto proteggere, ma migliorare la qualità dell’abitare.

Pianta libera

La pianta libera nasce dalla separazione tra struttura portante e distribuzione interna. Se i muri non devono più sostenere l’intero edificio, gli ambienti possono essere organizzati con maggiore libertà. Gli spazi diventano più flessibili, aperti, adattabili. È una rivoluzione silenziosa, ma decisiva: l’interno non è più una sequenza rigida di stanze, ma un campo progettuale da modellare in base alla vita.

Finestra a nastro

La finestra a nastro introduce una luce continua, orizzontale, capace di attraversare gli ambienti in modo uniforme. Non è solo una soluzione estetica, ma un modo diverso di pensare il rapporto tra interno ed esterno. La luce diventa materia architettonica, elemento di comfort, strumento per ampliare la percezione dello spazio.

Facciata libera

La facciata libera è possibile perché la struttura non dipende più dai muri perimetrali. La facciata può così essere composta come un piano autonomo, più aperto, più leggero, più coerente con il disegno complessivo dell’edificio. Anche in questo caso, la tecnica produce una nuova libertà formale.

Le opere più famose di Le Corbusier

Le opere di Le Corbusier raccontano un percorso ampio, attraversato da fasi diverse. Dalle ville puriste degli anni Venti agli edifici collettivi del dopoguerra, dalle architetture religiose ai progetti urbani, ogni lavoro mostra un aspetto della sua ricerca. Alcune opere sono diventate veri manifesti dell’architettura moderna, altre rivelano la sua capacità di sperimentare con materia, luce, scala e paesaggio.

Villa Savoye: il manifesto dell’architettura moderna

Tra le opere più celebri di Le Corbusier, Villa Savoye occupa un posto centrale. Realizzata a Poissy, vicino Parigi, tra il 1928 e il 1931, è considerata uno dei manifesti più compiuti dell’architettura moderna. La villa sintetizza i cinque punti in una forma chiara, essenziale, quasi astratta: un volume bianco sollevato su pilotis, attraversato dalla luce, organizzato secondo una pianta libera e coronato da un tetto giardino.

Villa Savoye non è soltanto una casa. È un dispositivo spaziale costruito intorno al movimento. Il percorso dell’abitante diventa parte del progetto: si entra, si sale, si attraversano gli ambienti, si arriva alla terrazza. La rampa interna accompagna il corpo in una progressione lenta, trasformando l’architettura in esperienza.

La sua forza sta nella capacità di rendere visibile una nuova idea di abitare. La casa non si presenta come oggetto decorativo, ma come sistema. Ogni elemento ha una funzione, ma ogni funzione partecipa alla composizione complessiva. Il bianco delle superfici, la leggerezza della struttura, la continuità delle aperture e la relazione con il paesaggio costruiscono un’immagine di modernità ancora oggi potentissima.

In Villa Savoye, Le Corbusier porta la casa moderna verso una forma ideale. L’edificio appare razionale, ma non freddo; geometrico, ma attraversato da una precisa idea di vita. È una casa pensata per il tempo moderno, per il movimento, per la luce, per un abitare più libero rispetto alla tradizione borghese ottocentesca.

Unité d’Habitation: la casa collettiva come città verticale

Con l’Unité d’Habitation di Marsiglia, realizzata tra il 1947 e il 1952, Le Corbusier trasferisce la sua riflessione sull’abitare dalla scala della villa privata a quella della residenza collettiva. L’edificio, spesso indicato anche come Cité Radieuse, nasce come risposta al bisogno di nuove forme abitative nel secondo dopoguerra. Non è un semplice blocco residenziale, ma un organismo complesso, pensato come una città verticale.

L’Unité d’Habitation contiene appartamenti, percorsi interni, servizi comuni, spazi commerciali e una copertura abitabile. La vita domestica e quella collettiva vengono immaginate come parti di un unico sistema. L’edificio diventa infrastruttura sociale, luogo in cui l’abitare non coincide solo con l’interno dell’appartamento, ma con una rete di relazioni, funzioni e servizi.

Qui il cemento armato assume una presenza più materica rispetto alle ville bianche degli anni Venti. La superficie non è più soltanto liscia e astratta, ma mostra peso, trama, profondità. Questa fase dell’opera di Le Corbusier anticipa molte riflessioni successive sul brutalismo e sull’espressività del béton brut, il cemento lasciato a vista.

L’Unité d’Habitation è stata molto influente, ma anche discussa. La sua idea di abitare collettivo ha ispirato generazioni di architetti, ma alcune interpretazioni successive, più povere o rigide, ne hanno spesso semplificato il senso. La qualità del progetto di Le Corbusier sta nella complessità: non un edificio residenziale generico, ma una riflessione sul rapporto tra individuo, comunità, servizi, spazio e città.

Ronchamp, Chandigarh e le opere della maturità

La Cappella di Notre-Dame du Haut a Ronchamp mostra un Le Corbusier diverso da quello delle geometrie bianche e razionali. Qui l’architettura diventa più plastica, più materica, più spirituale. Le pareti spesse, la copertura curva, la luce filtrata e il rapporto con il paesaggio producono uno spazio intenso, quasi scultoreo.

Ronchamp dimostra che Le Corbusier non è prigioniero di un solo stile. La sua modernità non coincide con una formula ripetuta, ma con una ricerca continua. Dopo la fase purista e razionale, la sua architettura si apre a una dimensione più espressiva, dove il cemento, la luce e la massa diventano strumenti emotivi.

Un altro capitolo fondamentale è Chandigarh, in India. Dopo la partizione del Paese, la nuova capitale del Punjab diventa per Le Corbusier l’occasione per misurarsi con la scala urbana e istituzionale. Il progetto comprende edifici simbolici come il Capitol Complex, il Palazzo dell’Assemblea, il Segretariato e l’Alta Corte. In questa esperienza, la città moderna viene pensata come struttura politica, amministrativa e spaziale.

Anche il Convento di Sainte-Marie de La Tourette rappresenta una tappa importante della maturità. L’edificio lavora sul rapporto tra vita comunitaria, raccoglimento, luce e cemento. È un’architettura austera, ma profondamente costruita intorno all’esperienza dello spazio. La materia diventa disciplina, la luce diventa misura, il vuoto diventa parte integrante della composizione.

Le Corbusier tra design, urbanistica e teoria dell’abitare

La grandezza di Le Corbusier non riguarda soltanto l’architettura costruita. Il suo lavoro attraversa anche il design, l’urbanistica, la pittura e la scrittura teorica. Questa dimensione multidisciplinare è essenziale per capire la sua influenza: Le Corbusier non progetta solo edifici, ma costruisce una visione complessiva dell’ambiente moderno.

Nel design, il suo nome è legato a pezzi diventati iconici, sviluppati insieme a Pierre Jeanneret e Charlotte Perriand. Sedute, chaise longue e arredi pensati come estensione dell’architettura, strumenti per abitare il corpo nello spazio. Anche qui torna una delle sue domande centrali: come si vive? Come ci si siede, si riposa, si lavora, si attraversa un ambiente?

Il suo pensiero urbanistico è altrettanto influente e controverso. Le Corbusier immagina città più ordinate, ariose, funzionali, capaci di rispondere alla densità e ai problemi della metropoli moderna. Tuttavia, alcune sue visioni urbane sono state criticate per il rischio di eccessiva rigidità, per la separazione delle funzioni e per una certa tensione verso il controllo dello spazio.

Questo è uno dei punti su cui va letto con maggiore attenzione. Le Corbusier non deve essere trasformato in un mito intoccabile, né ridotto alle critiche più semplici. La sua opera va compresa come una delle grandi officine teoriche del Novecento: potente, influente, talvolta problematica, ma decisiva per capire come l’architettura abbia affrontato la modernità.

Tra i suoi contributi teorici più noti c’è anche il Modulor, sistema di proporzioni basato sul corpo umano e sulla sezione aurea. Con il Modulor, Le Corbusier cerca una misura capace di collegare architettura, ergonomia, matematica e percezione. Ancora una volta, il progetto nasce dal tentativo di dare ordine allo spazio partendo dall’uomo.

Perché Le Corbusier è ancora attuale oggi

L’attualità di Le Corbusier non sta nel ripetere le sue forme, ma nel continuare a interrogare le sue domande. Che cosa significa abitare in modo moderno? Come può l’architettura migliorare la vita quotidiana? Quale rapporto deve esistere tra casa e città, individuo e collettività, spazio privato e spazio comune? Come si costruisce un equilibrio tra funzione, bellezza e responsabilità sociale?

Oggi molti aspetti del suo pensiero vengono riletti con sguardo critico. Alcune visioni urbanistiche appaiono distanti dalla sensibilità contemporanea, più attenta alla complessità dei tessuti esistenti, alla rigenerazione urbana, alla scala umana, alla sostenibilità ambientale e alla dimensione sociale dello spazio. Ma proprio questa rilettura rende Le Corbusier ancora vivo nel dibattito.

Le sue opere continuano a insegnare il valore della chiarezza progettuale, della luce, della proporzione, della relazione tra struttura e libertà. Villa Savoye resta una lezione sulla casa come percorso. L’Unité d’Habitation resta una riflessione sulla densità e sulla vita collettiva. Ronchamp resta una prova della forza emotiva dell’architettura. Chandigarh resta un caso fondamentale nel rapporto tra progetto urbano, istituzione e modernità.

Per gli architetti contemporanei, Le Corbusier è un riferimento inevitabile, ma anche un autore da discutere. La sua eredità non è una formula da applicare. È un campo di pensiero da attraversare con consapevolezza. La modernità che ha immaginato non coincide più con tutte le esigenze del presente, ma molte delle sue domande restano aperte.

In questo senso, Le Corbusier continua a essere attuale perché ha posto l’architettura davanti a una responsabilità ampia: non decorare il mondo, ma contribuire a costruire il modo in cui lo abitiamo.

Domande frequenti su Le Corbusier

Chi era Le Corbusier?

Le Corbusier era un architetto, urbanista, designer, pittore e teorico del Movimento Moderno. Nato in Svizzera con il nome di Charles-Édouard Jeanneret-Gris, ha lavorato soprattutto in Francia e ha contribuito in modo decisivo alla nascita dell’architettura moderna.

Quali sono le opere più famose di Le Corbusier?

Tra le opere più famose di Le Corbusier ci sono Villa Savoye, l’Unité d’Habitation di Marsiglia, la Cappella di Notre-Dame du Haut a Ronchamp, Maison La Roche, il Padiglione Svizzero, il Convento di La Tourette e il progetto urbano di Chandigarh.

Qual è lo stile di Le Corbusier?

Lo stile di Le Corbusier è legato al razionalismo, al funzionalismo e al Movimento Moderno. La sua architettura utilizza forme pure, piante libere, finestre a nastro, pilotis, tetti giardino e facciate libere. Nelle opere della maturità, il suo linguaggio diventa anche più plastico, materico e scultoreo.

Cosa sono i cinque punti dell’architettura moderna?

I cinque punti dell’architettura moderna sono i principi formulati da Le Corbusier per definire una nuova architettura: pilotis, tetto giardino, pianta libera, finestra a nastro e facciata libera. Questi elementi rappresentano una nuova libertà progettuale resa possibile dai materiali e dalle tecniche moderne.

Perché Villa Savoye è così importante?

Villa Savoye è importante perché sintetizza in modo esemplare i cinque punti dell’architettura moderna. La casa è sollevata su pilotis, presenta una pianta libera, finestre a nastro, facciata libera e tetto giardino. È considerata uno dei manifesti più importanti dell’architettura moderna.

Perché Le Corbusier è ancora importante oggi?

Le Corbusier è ancora importante perché ha trasformato il modo di pensare la casa, la città e il rapporto tra architettura e società. La sua opera continua a essere studiata perché affronta temi ancora centrali: luce, spazio, funzione, densità urbana, abitare collettivo, proporzione e qualità della vita.

Le Corbusier e l’eredità di una modernità ancora aperta

Raccontare Le Corbusier significa raccontare una delle grandi svolte dell’architettura contemporanea. La sua opera ha dato forma a un nuovo modo di intendere lo spazio, superando l’idea dell’edificio come semplice composizione di facciate e stanze per arrivare a una visione più profonda: l’architettura come sistema di vita.

Le Corbusier ha cercato ordine, misura, luce, funzione. Ha immaginato case più libere, città più razionali, oggetti più coerenti con il corpo e con l’uso quotidiano. Ha costruito edifici che ancora oggi dividono, affascinano, interrogano. Ed è proprio in questa capacità di generare dibattito che si misura la forza della sua eredità.

La sua architettura appartiene al Novecento, ma non è rimasta chiusa nel Novecento. Continua a essere riletta, fotografata, studiata, criticata, visitata. Continua a parlare a chi si occupa di progetto, perché pone una questione essenziale: l’architettura non è soltanto costruzione dello spazio, ma costruzione di un’idea di società.

Per questo Le Corbusier resta una figura centrale. Non perché abbia dato risposte definitive, ma perché ha formulato domande che il progetto contemporaneo non ha ancora smesso di affrontare.

L'articolo Le Corbusier: vita, stile e opere dell’architetto che ha cambiato il modo di abitare proviene da Archi & Interiors.

Dalla vittoria del concorso per il Memoriale della Shoah di Bologna ai progetti per scuole, spazi collettivi e dispositivi urbani, Set Architects ha definito nel tempo una pratica capace di muoversi tra scale diverse con una voce chiara: misurata, radicale, sensibile al contesto e alle forme di vita che attraversano i luoghi. Al centro del loro approccio c’è l’idea di una “critical synthesis”, una sintesi critica che seleziona, riduce, mette a fuoco, fino a trasformare la complessità del programma in architetture leggibili e necessarie.

Dopo aver inserito lo studio nella nostra selezione dedicata ai giovani architetti e studi italiani da seguire, abbiamo scelto di approfondirne il percorso attraverso un dialogo più ampio. In questa intervista, Set Architects racconta il proprio modo di intendere il progetto: la scuola come infrastruttura civica, la memoria come esperienza spaziale, l’abitare come campo flessibile e identitario, e l’architettura come dispositivo culturale capace di generare relazioni.

Set Architects: intervista sul progetto come spazio di relazione

Oggi Set Architects sembra occupare una posizione piuttosto rara: uno studio che lavora sull’essenzialità senza trasformarla in stile, e che attraversa memoriali, scuole, interni, installazioni e programmi pubblici mantenendo una voce riconoscibile. Come definireste, in questo momento, il vostro posizionamento dentro il panorama architettonico contemporaneo?

Ci riconosciamo in una posizione consapevolmente attenta alle dinamiche di trasformazione contemporanee, alle loro implicazioni sociali e politiche, e al tempo stesso aperta alla sperimentazione e alla collaborazione. Lavoriamo sull’essenzialità non come riduzione stilistica, ma come strumento critico, un modo per interrogare ogni progetto e avvicinarci a ciò che è realmente necessario.

Ci interessa costruire architetture leggibili, capaci di durare nel tempo e di adattarsi, seguendo un linguaggio coerente ma al tempo stesso capace di rispondere, di volta in volta, alle specifiche esigenze della committenza e alle condizioni culturali e sociali del luogo. Più che uno stile, ricerchiamo una coerenza di attitudine: manteniamo una linea di lavoro autonoma ma aperta, capace di accogliere stimoli esterni, anche da altre discipline, e di tradurli in progetto. In questo senso, il nostro posizionamento è trasversale e attraversa scale e ambiti diversi, dallo spazio domestico a quello pubblico, cercando ogni volta di mettere a fuoco l’essenziale in relazione al contesto, agli usi e alle forme di vita che lo abitano.

Una parte importante del vostro percorso si è formata attraverso concorsi, occasioni pubbliche e progetti in cui la qualità del disegno doveva misurarsi subito con un’idea di responsabilità civile. Che cosa vi ha insegnato quella traiettoria iniziale sul rapporto tra ambizione architettonica, realtà del contesto e costruzione di un’identità di studio?

I concorsi e i progetti pubblici sono stati per noi un terreno di formazione decisivo, perché ci hanno insegnato fin dall’inizio a misurare la nostra ricerca architettonica con le esigenze di una comunità reale. In quel contesto il progetto non è mai solo un esercizio di forma, ma una presa di posizione rispetto a un contesto sociale, politico e culturale, con cui è necessario confrontarsi in modo chiaro e responsabile.

Questa traiettoria iniziale ci ha portato a costruire un’identità non autoreferenziale, ma fondata su un’idea di responsabilità. Abbiamo imparato a considerare l’architettura come una forma di servizio pubblico, anche quando si confronta con scale e programmi diversi, mantenendo una tensione costante tra qualità del disegno, fattibilità e capacità di incidere concretamente sui luoghi e sulle comunità.

Nel vostro lessico torna una formula molto precisa: “critical synthesis”. È un’espressione che suggerisce selezione, rigore, ma anche presa di posizione. Nel lavoro quotidiano di progetto, che cosa significa per voi sintetizzare criticamente un programma complesso senza impoverirlo, e dove si gioca il confine tra riduzione e precisione?

Per noi “critical synthesis” è prima di tutto un processo di selezione attiva. Sintetizzare non significa semplificare, ma assumersi la responsabilità di scegliere cosa è essenziale e cosa no. Il confine tra riduzione e precisione è molto sottile: lo attraversiamo cercando di non perdere mai la complessità del programma, ma di restituirla in una forma chiara, leggibile, quasi assoluta e inevitabile.

Nel 2025 avete ridefinito anche la vostra identità visiva attorno a un’idea di linguaggio “essential, archetypal, non-generic”. Quanto conta, per uno studio come il vostro, il modo in cui ci si rappresenta pubblicamente? E quanto la forma del racconto — immagini, impaginazione, allestimento, presenza editoriale — fa ormai parte del progetto stesso?

Conta molto, perché il racconto è ormai parte integrante del progetto. Non si tratta di costruire un’immagine, ma di costruire una coerenza tra ciò che si progetta e il modo in cui lo si comunica, evitando che rappresentazione e lavoro prendano direzioni divergenti.

In questo senso, lo “storytelling” diventa un’estensione del progetto stesso. Anche le collaborazioni con fotografi, grafici, editor, uffici stampa e altre figure creative contribuiscono a definire e chiarire l’identità dello studio. Lo scorso anno, ad esempio, abbiamo scelto di lavorare con Bahut, con cui sentivamo una forte affinità di visione, per ripensare la nostra identità visiva e il sito, accompagnando l’evoluzione del nostro percorso. Anche in questo caso abbiamo cercato un processo di sottrazione, eliminando elementi superflui, come le maiuscole, per arrivare a una forma più essenziale e diretta.

Allo stesso tempo, restiamo consapevoli che il racconto non sostituisce il progetto: può chiarirlo, rafforzarlo, renderlo più accessibile, ma ciò che davvero ci rappresenta, sono ovviamente i progetti stessi.

Nei vostri progetti per la scuola — da Sassa a Biassono, passando per Mazzini — l’edificio educativo non è mai pensato come contenitore chiuso, ma come centro civico, paesaggio di relazioni, infrastruttura aperta alla comunità. Che cosa vi permette di sperimentare la scuola che altri programmi, oggi, non vi permettono ancora?

L’edificio scolastico è uno dei pochi programmi in cui è ancora possibile lavorare su un’idea ampia di spazio pubblico. È un luogo in cui architettura, pedagogia e comunità si incontrano. Questo ci consente di immaginare edifici che non siano solo contenitori funzionali, ma infrastrutture civiche, capaci di generare relazioni e senso di appartenenza.

Molti parlano di scuola come presidio sociale, ma nei vostri progetti questa idea prende corpo attraverso corti, agorà, giardini, biblioteche, palestre, spazi modulari e usi extra-scolastici reali. Quali condizioni progettuali, ma anche culturali e politiche, devono esistere perché questa apertura non resti un buon racconto e diventi davvero uso quotidiano?

Servono condizioni progettuali, ma anche culturali e politiche. L’architettura può predisporre spazi flessibili, accessibili, accoglienti, ma è fondamentale che esista una visione condivisa della scuola come bene comune. Senza questa consapevolezza, il rischio è che l’apertura resti solo potenziale.

Nel Bologna Shoah Memorial la forza del progetto nasce proprio dal rifiuto dell’enfasi: il Cor-Ten, il passaggio che si restringe, la dimensione fisica dell’attraversamento, la memoria affidata alla misura più che al gesto. Come si affronta un progetto in cui il rischio della retorica è altissimo e dove invece tutto deve reggersi sulla precisione spaziale?

In progetti così sensibili, ogni gesto in più rischia di diventare eccesso. Abbiamo lavorato per sottrazione, cercando di togliere tutto ciò che non fosse strettamente necessario e affidando il progetto alla costruzione dello spazio, dell’esperienza fisica e l’espressione dei materiali.

In questo caso la memoria non è affidata a un simbolo esplicito, ma a una condizione: un attraversamento, una progressiva compressione, una percezione che si attiva nel corpo prima ancora che nello sguardo. Lavorare sulle emozioni del visitatore significa costruire una sequenza spaziale capace di essere precisa, misurata, ma allo stesso tempo intensa, senza mai ricorrere a effetti retorici.

Il rischio della retorica si affronta proprio così, mantenendo una tensione costante verso l’essenzialità e lasciando che sia lo spazio, nella sua misura e nella sua materia, a sostenere il significato.

Tra Press Box, Skyframe e Casa Platform Roma ritorna una vostra attitudine molto specifica: immaginare l’architettura come dispositivo che attiva conversazioni, sguardi, comportamenti, perfino forme di editoria o di incontro. Quanto vi interessa progettare spazi che non si limitano a ospitare qualcosa, ma costruiscono una scena pubblica e rendono quel contenuto più leggibile, più condivisibile, più vivo?

Ci interessa che l’architettura non sia un contenitore neutro, ma capace di generare comportamenti, incontri, narrazioni. In questo senso, ogni progetto è anche un dispositivo culturale: costruisce una scena pubblica e rende più leggibili e condivisibili i contenuti che ospita.

In lavori come Press Box, Skyframe o Casa Platform Roma, lo spazio non si limita ad accogliere un programma, ma lo amplifica, lo mette in relazione, lo rende visibile. Ci interessa progettare condizioni che attivino sguardi e forme di partecipazione, in cui l’architettura diventa una struttura aperta, capace di ospitare usi imprevisti e di evolvere nel tempo.

Questo implica lavorare non solo sulla forma, ma sulle relazioni. È in questa dimensione che l’architettura può diventare uno strumento attivo, capace di produrre significato e di costruire nuove possibilità di condivisione.

Nei vostri interni più riusciti — penso a House for a Graphic Designer o a House with steel furniture — la qualità non deriva mai dall’accumulo, ma da poche mosse radicali: un nucleo centrale, varchi a tutta altezza, flessibilità d’uso, materia controllata, luce. Quali bisogni dell’abitare vi sembrano oggi più urgenti, e quali invece ancora sorprendentemente trascurati?

In un progetto di interni riteniamo che uno dei bisogni più urgenti sia flessibilità reale, non solo dichiarata. La capacità degli spazi di adattarsi nel tempo a usi diversi. Oggi le nostre abitazioni si stano trasformando sempre di in più dispositivi multifunzionali dove si può vivere, lavorare, incontrare persone, e questo ha portato alla perdita di significato della stanza e dell’arredo in quanto posso lavorare sul letto, mangiare sul divano e connettermi con il resto del mondo dal mio cellulare. Per quanto riguarda più strettamente temi spaziali sicuramente la qualità della luce naturale, dei materiali, dell’atmosfera generale degli ambienti. Sono aspetti spesso considerati secondari, ma che in realtà incidono profondamente sulla qualità della vita quotidiana.

Oggi chiediamo spesso agli spazi non solo di funzionare, ma anche di raccontare chi siamo, o almeno chi vorremmo essere. Questa domanda di rappresentazione vi sembra una deriva narcisistica del presente oppure una questione legittima con cui il progetto deve imparare a confrontarsi? E in che modo cambia il vostro lavoro quando l’identità di chi abita diventa parte esplicita del brief?

È una questione legittima, ma delicata. L’architettura deve saper accogliere l’identità di chi abita senza diventare pura espressione individuale. Il nostro lavoro è trovare un equilibrio tra riconoscibilità e apertura, tra specificità e possibilità.

Guardando l’architettura contemporanea, quali tendenze vi sembrano davvero fertili oggi — non solo come immagine, ma come possibilità concreta di migliorare il modo in cui viviamo gli spazi — e quali, invece, vi convincono molto meno?

Ci interessano le ricerche che lavorano sulla comprensione delle esigenze della contemporaneità per immaginare nuove soluzioni e significati, ridefinire canoni estetici e che sappiano valorizzare l’unicità e l’autorialità del pensiero. Sulla sostenibilità intesa non come tecnologia ma come comprensione delle caratteristiche di un luogo per immaginarle come risorse. Ci interessano meno le pratiche che seguono codici già definiti cavalcando la tendenza del momento senza apportare un contributo personale alla disciplina.

Il vostro lavoro tiene insieme architettura, ricerca, installazione, editoria, insegnamento. Esiste un architetto — o anche una figura che non viene strettamente dal campo dell’architettura — a cui vi ispirate perché vi aiuta ancora a leggere meglio il presente? E che cosa, precisamente, vi offre quel riferimento?

Più che a una figura unica, ci interessa un insieme di riferimenti, spesso anche esterni all’architettura, che attraversano diversi ambiti del pensiero e della produzione culturale, dalla letteratura alla musica fino alla moda. Sono sguardi che ci aiutano a mantenere una posizione aperta e a leggere il progetto come parte di un campo culturale più ampio, evitando una visione autoreferenziale della disciplina.

All’interno dell’architettura i riferimenti sono molti e richiederebbero uno spazio dedicato. Sicuramente guardiamo molto i maestri del Novecento, tra gli altri, Le Corbusier, per la sua capacità di ridefinire radicalmente codici e linguaggi, e Ludwig Mies van der Rohe, per l’eleganza e la precisione delle sue soluzioni. Tra i riferimenti italiani, pur essendo numerosi, sentiamo una particolare vicinanza a Luigi Moretti, figura complessa e trasversale, capace di muoversi tra progetto e ricerca con grande libertà, producendo innovazione in più campi.

Più che modelli da seguire, questi riferimenti rappresentano per noi strumenti critici, modi diversi di guardare alla realtà e al progetto, che continuano a offrire prospettive utili per interpretare il presente.

Se poteste scegliere un’opera di architettura già esistente e dire “avremmo voluto progettarla noi”, quale sarebbe? Non tanto per affinità di linguaggio, ma per intensità, coraggio o precisione dell’idea.

Più che un’opera specifica, siamo attratti da quei progetti in cui l’idea è allo stesso tempo radicale e inevitabile, architetture in cui tutto sembra necessario e nulla potrebbe essere diverso.

Un’opera che incarna con chiarezza questa condizione è la Neue Nationalgalerie di Ludwig Mies van der Rohe, dove ogni elemento è esatto e partecipa a un equilibrio estremamente preciso tra composizione, proporzioni, soluzioni costruttive e dettaglio.

È un progetto in cui la riduzione non è mai impoverimento, ma coincide con una forma di precisione assoluta, in cui struttura, spazio e forma dialogano in modo armonico e assoluto tra loro.

Tra i progetti che avete realizzato, qual è quello a cui vi sentite più legati oggi? Non necessariamente il più noto, ma quello in cui pensate che il vostro modo di fare architettura si sia espresso con maggiore verità.

Tra i progetti realizzati, oggi ci sentiamo particolarmente legati a Polo Sassa, perché rappresenta un edificio per la comunità nato in un contesto fragile, segnato dal sisma del 2009. In quel caso l’architettura ha assunto un ruolo diretto nella costruzione di uno spazio pubblico, non solo come risposta funzionale, ma come occasione per restituire identità e possibilità d’uso condiviso a un luogo.

Allo stesso tempo, Skyframe rappresenta un altro momento significativo del nostro percorso, per la sua capacità di agire in modo più leggero ma altrettanto incisivo. Si tratta di un dispositivo urbano che trasforma uno spazio pubblico residuo in uno spazio aperto alla collettività, attivando nuove relazioni e nuovi modi di abitare un contesto esistente.

Sono due progetti molto diversi per scala e natura, ma che riflettono in modo complementare il nostro modo di lavorare, inteso come costruzione di condizioni capaci di attivare lo spazio pubblico e le forme di vita che lo attraversano.

Nei lavori più recenti si avverte un allargamento del campo: housing sociale, hub di ricerca, nuove scuole, programmi complessi dove flessibilità, inclusione e uso collettivo sembrano diventare ancora più centrali. Che cosa conta davvero, per voi, nel progetto di oggi? E verso quali territori sentite che Set Architects debba spingersi nel prossimo futuro?

Oggi sentiamo l’urgenza di lavorare su contesti in cui l’architettura possa contribuire in modo concreto alla costruzione di valore condiviso. Ci interessa immaginare spazi per la comunità in cui il progetto non si esaurisca nella forma, ma attivi relazioni, usi e possibilità, indipendentemente dalla scala dell’intervento.

Più che definire un linguaggio, vogliamo concentrarci sul significato delle opere, sulla loro capacità di incidere nei contesti e di restituire qualità ai luoghi e alle vite che li attraversano. In questo senso, crediamo che l’architettura debba tornare a essere uno strumento di trasformazione sociale e culturale, capace di migliorare in modo tangibile la vita delle persone. È su questo terreno che intendiamo continuare a lavorare.

Scorri la gallery completa dei progetti di Set Architects e approfondisci il lavoro di una delle realtà italiane che stanno contribuendo a ridefinire il linguaggio dell’architettura contemporanea.

L'articolo Intervista allo studio Set Architects: “L’architettura non è un contenitore neutro, ma genera relazioni” proviene da Archi & Interiors.

Parlare oggi di studi di architettura a Bari significa allora osservare una scena più articolata di quanto si possa immaginare a prima vista. Accanto a nomi consolidati, che hanno contribuito a definire il volto contemporaneo della città, si muovono realtà capaci di leggere con intelligenza i temi del riuso, della rigenerazione urbana, della residenza, degli interni e delle nuove forme dell’abitare nel Sud. Quella che segue non è una classifica, ma una selezione editoriale costruita per restituire, attraverso 25 studi, il profilo di una città in cui il progetto continua a misurarsi con la luce, con la materia, con la densità e con il paesaggio quotidiano del vivere.

Come abbiamo selezionato questi studi di architettura a Bari

Quella che segue non nasce da un criterio puramente quantitativo, né da una logica di classifica. Non abbiamo selezionato questi studi soltanto in base alla notorietà, alla visibilità online o alla facilità con cui compaiono nel racconto corrente della città. Il punto era costruire una mappa editoriale credibile, capace di restituire la complessità della scena barese senza ridurla né a un elenco di nomi storicizzati né a una vetrina di profili molto esposti sul piano digitale.

Per questa ragione abbiamo tenuto insieme più fattori. Da un lato, la solidità del percorso professionale, la qualità dei progetti realizzati, la capacità di incidere sul territorio e la presenza, quando rilevante, in pubblicazioni, premi, concorsi o interventi che abbiano lasciato una traccia leggibile nel contesto urbano e culturale. Dall’altro, abbiamo considerato anche la coerenza del linguaggio progettuale, l’attitudine a confrontarsi con i temi oggi più vivi dell’architettura contemporanea — dal riuso alla rigenerazione urbana, dalla residenza agli interni, fino alle nuove forme dell’abitare — e la capacità di interpretare Bari non come semplice sfondo, ma come materia concreta di progetto.

Ne deriva una selezione volutamente composita. Accanto a studi ormai consolidati, trovano spazio realtà più recenti che, pur con percorsi differenti, mostrano una qualità già riconoscibile e una presenza non episodica. Non si tratta dunque di una classifica, ma di una selezione editoriale: venticinque nomi che, per ragioni diverse, aiutano a leggere Bari come una città in cui il progetto continua a misurarsi con identità, trasformazione, densità e paesaggio quotidiano.

Netti Architetti

Netti Architetti è uno dei nomi che, a Bari, definiscono con maggiore chiarezza il rapporto tra ricerca architettonica e misura urbana. Fondato da Lorenzo Netti e Gloria Valente, lo studio ha sede in città e si muove da anni lungo una linea progettuale riconoscibile, attenta alla forma costruita ma anche alla storia, al paesaggio e alla responsabilità dell’architettura dentro il contesto reale. Non è un caso che il loro lavoro compaia con continuità nei repertori più autorevoli del settore: la loro pratica non si esaurisce nell’esercizio compositivo, ma si confronta con la città come fatto concreto, stratificato, abitato.

A chiarire bene il loro ruolo nella scena barese è Omodeo 57, edificio residenziale realizzato in via Omodeo e indicato come il primo intervento attuato nell’ambito del Programma Integrato di Riqualificazione delle Periferie promosso dal Comune di Bari. Qui il progetto affronta il tema della densificazione senza cedere né all’anonimato edilizio né all’enfasi formale: lavora invece sul margine, sugli allineamenti urbani e sulla relazione con le aree verdi vicine, trasformando un’operazione residenziale in una riflessione più ampia sul modo in cui anche l’architettura dell’abitare può contribuire, con rigore e intelligenza, al ridisegno della città contemporanea.

Mirizzi Architetti Associati

Mirizzi Architetti Associati è uno studio che a Bari esprime un’idea di architettura fondata su continuità, struttura e responsabilità pubblica del progetto. Fondato nel 1991 da Luigi M. Mirizzi e Giulia Stanghellini Perilli, con l’ingresso di Vittorio Mirizzi Stanghellini Perilli nel 2002, lo studio ha sede in città e lavora da decenni su un campo ampio che comprende edilizia residenziale e terziaria, architettura sanitaria, restauro, riqualificazione urbana, recupero ambientale e pianificazione territoriale.

Il suo profilo si definisce soprattutto nella capacità di muoversi tra programmi complessi e opere di forte rilievo istituzionale. Tra gli interventi più significativi compaiono la nuova sede del Consiglio Regionale della Puglia, la nuova sede del Rettorato del Politecnico di Bari, il Covid Hospital alla Fiera del Levante e il nuovo Commissariato di Monopoli, lavori che restituiscono l’immagine di una pratica progettuale solida, misurata e pienamente inserita nei processi di trasformazione del territorio pugliese. Più che inseguire la spettacolarità, Mirizzi Architetti Associati costruisce nel tempo un linguaggio di rigore, competenza e permanenza, in cui l’architettura conserva un rapporto stretto con la funzione pubblica, con la città e con la concretezza del costruire.

L'articolo 25 studi di architettura a Bari da conoscere: i migliori nomi tra rigenerazione urbana, progetto contemporaneo e nuove forme dell’abitare proviene da Archi & Interiors.

Matteo, il nome del vostro studio, “xzlab.”, evoca immediatamente l’idea di ricerca e sperimentazione. Perché avete scelto di definirvi un “laboratorio” piuttosto che un classico studio di architettura? 

La scelta non è casuale. Il laboratorio è un luogo dove si prova, si analizza e si sintetizza. In xzlab. non applichiamo soluzioni preconfezionate; ogni progetto è un esperimento unico che nasce dalle esigenze specifiche del committente. Ci consideriamo un laboratorio perché accompagniamo il cliente in tutte le fasi, dalla prima idea alla messa in opera. Il nostro motto è “ascoltare, progettare, vivere”: senza l’ascolto, non c’è vera architettura.

Molti dei vostri lavori mostrano un profondo rispetto per l’esistente. Come si concilia il recupero storico con le moderne esigenze di sostenibilità e innovazione? 

È la nostra sfida quotidiana. Crediamo che l’architettura debba ricostruire il passato proiettandolo nel futuro. Progettare in qualità significa non scendere a compromessi sulle prestazioni energetiche, anche quando si lavora su edifici storici. Un rustico può diventare una casa ad altissima efficienza senza perdere la sua anima materica. L’innovazione tecnologica deve essere invisibile ma percepibile nel benessere di chi abita lo spazio.

Oltre al residenziale, la vostra attività abbraccia diversi ambiti, dal commerciale al ricettivo, dagli uffici e al medicale. Come cambia l’approccio quando progettate un hotel, un negozio, un ufficio o uno studio medico? 

In realtà, la filosofia del “laboratorio” è ancora più preziosa in questi settori, dove la complessità aumenta. In uno spazio commerciale, alberghiero o medicale, l’architettura deve agire come una macchina perfetta: deve rispondere a flussi di lavoro precisi, ergonomia e normative stringenti, senza mai sacrificare l’esperienza dell’utente finale.

Il nostro approccio si sposta sulla “psicologia dello spazio”: se un negozio deve tradurre l’identità di un brand in volumi e materiali, una clinica deve invece saper trasmettere serenità attraverso il comfort acustico e visivo. Nel settore alberghiero, la sfida è creare un’esperienza memorabile: progettiamo spazi dove l’estetica scenografica deve convivere con una funzionalità operativa impeccabile, trasformando il soggiorno in un racconto sensoriale per l’ospite. Negli uffici, invece, il focus diventa la produttività legata al benessere, creando ambienti che stimolino la collaborazione.

Il valore aggiunto del nostro “laboratorio” è la capacità di risolvere la componente tecnica e burocratica a monte, permettendo al design di emergere liberamente. La vera sfida è proprio questa: rendere “umani”, caldi e identitari quegli spazi, che si tratti di una camera d’hotel o di una sala d’attesa, che solitamente vengono percepiti come freddi o puramente funzionali, trasformandoli in luoghi dove le persone desiderano stare, non solo transitare.

Sostenibilità è una parola oggi molto abusata. Qual è la visione di xzlab. in merito alla transizione ecologica e al vostro ruolo di esperti CQ (Costruire in Qualità)? 

Per noi la sostenibilità non è una moda o una medaglietta da affiggere al muro, ma un prerequisito. Essere esperti CQ significa avere una visione olistica del cantiere: dalla scelta dei materiali alla gestione dei ponti termici, fino alla durabilità dell’opera nel tempo. Un edificio sostenibile è un edificio che non spreca risorse e che richiede poca manutenzione. Il futuro dell’architettura è in questa consapevolezza: costruire meno, costruire meglio e rigenerare ciò che già esiste.

Spesso il cantiere è visto come un luogo di caos; in che modo la vostra visione lo trasforma in un processo controllato? 

Il cantiere non deve essere un’avventura, ma l’esecuzione di uno spartito già scritto. Significa spostare lo sforzo intellettuale a monte: se risolviamo il dettaglio tecnico in ufficio, l’operaio in cantiere non deve improvvisare. Per xzlab., la qualità è il processo. Un cantiere organizzato riduce gli sprechi e garantisce che le intenzioni dichiarate siano quelle reali. È una forma di rispetto verso l’investimento del cliente.

Un vostro punto di forza è la capacità di far “diventare realtà il progetto così come lo si era immaginato”. Come riuscite a colmare il divario tra il rendering e la costruzione finale? 

È una questione di onestà progettuale. Grazie alla progettazione integrata, quello che mostriamo al cliente è già stato verificato a livello di fattibilità. Accompagniamo il committente fisicamente nella scelta dei materiali, assicurandoci che il “sogno” iniziale non venga diluito dai problemi tecnici. La soddisfazione più grande è sentire il cliente dire: “È esattamente come l’avevamo disegnata”. Da sempre siamo stiati restii a produrre fotosimulazioni o render troppo effimeri, dallo scopo meramente commerciale. Ci piace ragionare più sulla sostanza.

Sei molto attivo nella vita professionale a Verona. Quanto ritieni importante non chiudersi nel proprio studio ma contribuire alla cultura del costruire del proprio territorio? 

Fondamentale. Partecipare attivamente alla vita professionale del territorio mi permette di avere il polso della situazione sulle normative e sulle nuove tecnologie. Credo molto nel fare rete: lo studio xzlab. stesso è una realtà aperta. Contribuire alla cultura tecnica locale significa elevare lo standard di tutto il settore, a beneficio della qualità degli edifici che lasceremo alle future generazioni.

Guardando al futuro, quali sono i prossimi obiettivi di xzlab.?

L’obbiettivo è sicuramente quello di continuare a crescere come polo di progettazione integrata, mantenendo però quella dimensione umana e di bottega che ci permette di curare il dettaglio e mantenere un contatto diretto con i nostri clienti. La sfida più difficile sarà sicuramente coniugare l’espansione con l’attenzione per questi aspetti, cosa su cui stiamo lavorando da anni per affinare modelli di gestione e coordinamento che ci consentano di avere una struttura flessibile anche aumentando di fatturato e personale.

Abbiamo in cantiere progetti importanti che esplorano nuove forme di accoglienza e residenzialità flessibile, strutture ricettive e tanto altro. L’obiettivo resta migliorare la vita delle persone attraverso la qualità degli spazi.

L'articolo L’Architettura come Laboratorio del Vivere: Intervista a Matteo Xamo, titolare dello Studio xzlab. proviene da Archi & Interiors.

Il design come infrastruttura dello sguardo

Alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma il nuovo allestimento non si limita a introdurre il design nello spazio museale: ne ridefinisce il lessico, la postura, perfino la temperatura simbolica. Non siamo di fronte a un semplice aggiornamento dell’arredo o a un’operazione cosmetica destinata a rendere le sale più accoglienti. Qui il design entra come disciplina critica, come infrastruttura dello sguardo, come dispositivo capace di modificare il rapporto tra opera, architettura e corpo del visitatore.

Il progetto, nato dalla collaborazione con alcune tra le più autorevoli aziende del panorama italiano e internazionale — da Agapecasa ad Armani/Casa, da Cassina a Cappellini, da Flexform a Molteni&C, da Poltrona Frau a Zanotta, passando per Kartell, Porro, Rubelli, Slamp, Davide Groppi e altre realtà di eccellenza — assume il design non come complemento ancillare dell’arte, ma come una delle sue espressioni più mature e consapevoli. In fondo, soprattutto in Italia, il design non è mai stato soltanto industria applicata alla forma: è stato pensiero progettuale, capacità di trasformare la tecnica in cultura, la serialità in linguaggio, la funzione in visione. È una disciplina che ha saputo assorbire le pressioni della modernità — globalizzazione, innovazione, competizione, mutazione dei consumi — traducendole in un sistema di oggetti dove la bellezza non è mai separata dall’intelligenza costruttiva.

Un museo più abitabile: spazio, corpo, percezione

In questo senso, la scelta della GNAMC appare particolarmente significativa. Inserire sedute iconiche, elementi luminosi, tessuti, parati, oggetti d’arredo e presenze ambientali lungo il percorso espositivo significa sottrarre il museo all’astrazione della pura contemplazione e restituirlo a una dimensione abitabile. Il museo smette di essere soltanto una macchina ottica e torna a essere uno spazio di permanenza. Il visitatore non attraversa più le sale come un pellegrino disciplinato, costretto a una fruizione frontale e progressiva; viene invece invitato a sostare, a cambiare ritmo, a misurare il proprio corpo dentro l’architettura. Ed è proprio in questa soglia, apparentemente lieve, che si produce la trasformazione più profonda.

Le sedute disseminate nel percorso non sono infatti semplici omaggi alla storia del design né preziosi inserti decorativi. Sono strumenti spaziali. Agiscono sul tempo della visione. Impongono una diversa coreografia del visitatore. Sedersi significa rallentare; rallentare significa guardare diversamente. Un museo che offre il corpo al riposo modifica il regime percettivo delle opere che custodisce. L’arte, da evento isolato e quasi sacrale, entra in una relazione più complessa con l’ambiente che la circonda. Perde forse una parte della sua distanza, ma acquista una nuova intensità relazionale. Convive con altri oggetti, altre funzioni, altri registri del vivere.

È qui che il dialogo tra arti visive e design si fa davvero interessante, perché non si limita a sovrapporre linguaggi, ma costruisce un campo di tensione. Da un lato l’opera conserva la propria irriducibilità, la propria opacità simbolica, la propria resistenza all’uso. Dall’altro, il design introduce nello spazio museale la logica della funzione, del comfort, della prossimità quotidiana. Questa convivenza non è pacifica né neutrale. Produce attrito. E proprio l’attrito è la sua qualità più fertile. Il museo non viene reso più domestico in senso banalmente accogliente; viene reso più complesso, più ambiguo, più contemporaneo. Ci chiede non solo di guardare, ma di interrogarci su che cosa significhi oggi abitare la cultura.

Anche la luce, in questa operazione, assume un ruolo decisivo. Non è più soltanto il mezzo invisibile che consente la leggibilità dell’opera, ma una vera materia interpretativa. Le installazioni luminose accompagnano, sottolineano, talvolta contraddicono. In un allestimento di questo tipo la luce non serve soltanto a mostrare: costruisce gerarchie, orienta l’emozione, articola la profondità dello spazio. Allo stesso modo, tessuti, superfici, cromie e tendaggi non sono apparati secondari, ma membrane sensibili che ridefiniscono l’atmosfera delle sale. Il design, allora, non si presenta solo come oggetto, ma come ambiente. Non si affianca all’arte; la avvolge, la media, la riscrive attraverso una diversa grammatica percettiva.

Tutto ciò si inserisce con coerenza nella storia culturale italiana, dove il design ha sempre occupato una posizione peculiare: quella di una forma d’arte capace di pensare la riproducibilità senza tradire la qualità, di delegare l’esecuzione all’ingegnerizzazione mantenendo intatta l’ambizione poetica del progetto. È questa, in fondo, la grande lezione del design italiano: aver dimostrato che l’oggetto d’uso può essere portatore di un valore simbolico alto, che la tecnica non mortifica l’immaginazione, ma può anzi renderla più diffusa, più democratica, più aderente al mondo.

Il bookshop come ultima sala espositiva

La GNAMC estende questo principio anche al bookshop, ed è forse qui che il progetto compie il suo gesto più radicale. La nuova linea di merchandising, concepita come una vera estensione curatoriale, non tratta il negozio del museo come spazio residuale o semplice luogo di consumo, ma come “ultima sala espositiva”. È una definizione che merita attenzione. Significa affermare che la narrazione museale non si interrompe davanti alla cassa, ma continua nella forma di oggetti che reinterpretano le poetiche della collezione e le trasferiscono nel quotidiano. Il progetto di cultural branding, sviluppato attraverso manifestazioni d’interesse rivolte a produttori e designer, mira infatti a creare prodotti a marchio GNAMC capaci non di banalizzare i capolavori, ma di tradurli in nuove relazioni d’uso, in nuove forme di prossimità domestica e simbolica.

L’avvio della collaborazione con Guzzini, attraverso una linea di oggetti per la tavola, è emblematico. La tavola è uno dei luoghi più antichi della socialità e della rappresentazione del gusto; portare lì, indirettamente, l’eco della collezione del museo significa permettere all’arte di uscire dalla cornice istituzionale e di innervare i gesti più comuni. Certo, una simile operazione comporta una trasformazione. L’unicità dell’opera lascia il posto alla serialità dell’oggetto; la distanza contemplativa si converte in familiarità; il capolavoro, invece di imporsi come irripetibile, si lascia disseminare in forme riproducibili. Ma non si tratta necessariamente di una perdita. Può essere, piuttosto, una mutazione consapevole: il passaggio da un museo come luogo di conservazione a un museo come piattaforma culturale capace di produrre connessioni, economia simbolica, diffusione.

Dal museo al Salone del Mobile 2026

In questa prospettiva si comprende anche la partecipazione della Galleria al Salone del Mobile 2026, all’interno del Padiglione del Ministero della Cultura, nel quadro del progetto Made in MiC. Non è una presenza accessoria, né una semplice operazione promozionale. È una dichiarazione di posizionamento. Il museo riconosce che il proprio patrimonio non vive solo nella custodia, ma anche nella capacità di essere tradotto, condiviso, rilanciato nei circuiti del contemporaneo. Il Made in Italy, qui, non è evocato come formula identitaria esausta, ma come intreccio di storia, creatività, sapere manifatturiero e intelligenza economica. In altre parole, come cultura del progetto.

Che cosa guadagna — e che cosa rischia — un museo che si fa ambiente?

Resta tuttavia una domanda critica, ed è la domanda più interessante. Quando il museo si fa più confortevole, più abitabile, più prossimo al linguaggio dell’uso e del mercato, che cosa guadagna e che cosa rischia di perdere? Da un lato, certamente, guadagna accessibilità, porosità, capacità di entrare nella vita reale delle persone. Dall’altro, corre il rischio di attenuare quella distanza che faceva del museo uno spazio altro, separato, capace di interrompere il flusso del quotidiano. La sfida, allora, non consiste nel semplice incontro tra arte e design, ma nella possibilità di preservare la tensione tra queste due dimensioni: tra contemplazione e impiego, tra aura e funzione, tra eccezione e familiarità.

La Galleria Nazionale, con questo allestimento, non offre una risposta definitiva, ed è giusto così. I progetti davvero contemporanei non chiudono le questioni: le aprono. Qui il confine tra opera e oggetto si assottiglia, ma non scompare; tra museo e ambiente domestico si stabilisce una continuità, ma anche una frizione. È in questa ambiguità che il progetto trova la sua forza. Perché ci ricorda che il design, quando è pensiero e non ornamento, non serve soltanto a rendere più belli gli spazi: serve a modificarne l’etica, l’uso, la qualità dell’esperienza. E ci ricorda anche che l’architettura interiore di un museo non è fatta solo di pareti e di opere, ma di soglie, pause, posture, luci, materiali, relazioni.

Dalle sale espositive al bookshop, la GNAMC mette dunque in scena una trasformazione sostanziale: non semplicemente un museo che accoglie il design, ma un museo che sceglie di pensarsi come organismo progettato, come spazio sensibile in cui comfort, mercato, cultura e visione convivono in un equilibrio ancora instabile, ma proprio per questo vivo. È un’operazione coraggiosa, perché accetta il rischio della contaminazione. E ogni vera contaminazione, quando è governata da un pensiero forte, non impoverisce: complica, arricchisce, obbliga a guardare meglio.

L'articolo GNAMC, il museo come spazio abitato: il design entra nel percorso espositivo proviene da Archi & Interiors.

In un contesto simile, l’architettura contemporanea non può permettersi né l’arroganza del gesto isolato né la consolazione di un linguaggio puramente imitativo. Deve invece misurarsi con una materia urbana di eccezionale densità, con la persistenza delle forme, con il peso simbolico del costruito, con il rapporto tra paesaggio e città, tra luce e pietra, tra permanenza e mutazione. Progettare a Firenze significa dunque operare entro una soglia delicata, dove ogni intervento è chiamato a trovare un equilibrio tra rispetto e invenzione, tra tutela e riscrittura, tra ciò che va custodito e ciò che può ancora essere ripensato.

Ed è proprio questa condizione a rendere Firenze uno degli osservatori più interessanti per comprendere alcune delle linee più significative del progetto italiano contemporaneo. In una città tanto fortemente segnata dalla propria eredità, il tema dell’architettura si declina spesso attraverso il restauro, il riuso, la rifunzionalizzazione dell’esistente, la rigenerazione urbana, il progetto degli interni, la ridefinizione dello spazio collettivo e una riflessione sempre più necessaria sulle forme dell’abitare attuale. Qui l’innovazione raramente passa per l’enfasi: più spesso si manifesta come precisione, come intelligenza interpretativa, come capacità di lavorare dentro la complessità senza impoverirla.

La selezione che segue nasce da questa consapevolezza. Non come classifica chiusa o repertorio compilato per semplice notorietà, ma come mappa editoriale dedicata a 25 studi di architettura a Firenze da conoscere, pensata per restituire il profilo di una scena progettuale articolata, colta, rigorosa e tutt’altro che statica. Vi convivono nomi autorevoli, studi consolidati, percorsi riconoscibili e ricerche più contemporanee che, attraverso approcci differenti, raccontano una stessa tensione: quella tra memoria e trasformazione, tra eredità urbana e necessità del presente, tra il carattere irripetibile dei luoghi e il compito, sempre attuale, di interpretarli.

Come abbiamo selezionato questi studi di architettura a Firenze

Riunire 25 studi di architettura a Firenze all’interno di un solo articolo significa, innanzitutto, sottrarsi a ogni lettura semplificata. La scena fiorentina non si lascia ridurre a una formula unica, perché al suo interno convivono esperienze molto diverse: studi storicamente vicini al restauro e alla conservazione, realtà che operano sulla scala urbana, professionisti che lavorano con particolare sensibilità sul recupero dell’esistente, autori più orientati al progetto contemporaneo, e altri ancora che si distinguono per la qualità degli interni, per l’attenzione al paesaggio o per una ricerca più sottile sulle forme dell’abitare.

Per questo motivo, la selezione non è stata costruita seguendo il solo criterio della fama, né quello della visibilità più immediata. Abbiamo considerato, piuttosto, un insieme di elementi capaci di restituire la complessità del panorama fiorentino: la solidità del percorso, la qualità dei progetti, la continuità del lavoro, la capacità di confrontarsi con il contesto storico, ma anche la pertinenza rispetto a temi oggi centrali come il recupero architettonico, il riuso, la trasformazione urbana, la sostenibilità, la ridefinizione degli spazi domestici e collettivi, il rapporto tra identità dei luoghi e funzioni contemporanee.

Ne emerge una selezione che non pretende di essere definitiva né esaustiva. Piuttosto, intende offrire una lettura credibile e sfaccettata di ciò che Firenze esprime oggi sul piano del progetto. Alcuni degli studi presenti rappresentano riferimenti consolidati; altri meritano attenzione per la qualità della ricerca, per la coerenza del linguaggio, per la misura con cui intervengono sull’esistente o per il modo in cui stanno contribuendo a ridefinire, con discrezione ma con notevole consapevolezza, il dialogo tra contemporaneo e patrimonio.

Più che un elenco, dunque, questa è una selezione editoriale. Un tentativo di leggere Firenze non solo come città della conservazione, ma come luogo in cui l’architettura continua a essere esercizio critico, responsabilità culturale e forma di interpretazione del reale. Ed è forse proprio in questa tensione trattenuta, mai spettacolare eppure profondamente fertile, che si riconosce uno dei caratteri più interessanti degli studi di architettura fiorentini oggi.

Archea Associati

Fondato a Firenze nel 1988 da Laura Andreini, Marco Casamonti e Giovanni Polazzi, con l’ingresso di Silvia Fabi nel 2001, Archea Associati è uno degli studi nati in città che hanno saputo trasformare una matrice fiorentina in un profilo internazionale, mantenendo però un rapporto riconoscibile con il tema del progetto come dialogo tra memoria, forma urbana e trasformazione. Oggi lo studio opera da più sedi, ma Firenze resta il suo luogo originario e simbolico.

È in questa selezione perché rappresenta uno dei casi più evidenti in cui la scena architettonica fiorentina riesce a uscire dalla dimensione locale senza perdere identità. Nel loro lavoro convivono infatti scala urbana, architettura, interni e ricerca formale, ma ciò che rende Archea particolarmente rilevante per un articolo dedicato a Firenze è anche la capacità di intervenire dentro contesti stratificati, misurandosi con il costruito esistente senza assumere un atteggiamento puramente conservativo.

In questo senso, il recente intervento sul Teatro Nazionale di Firenze è esemplare: un luogo nato nel Trecento e trasformato nel corso dei secoli, rimasto a lungo in abbandono, che il progetto di Archea ha riportato alla città attraverso un restauro complesso e una nuova articolazione degli spazi, restituendogli una funzione culturale contemporanea. È anche per lavori come questo che Archea Associati entra di diritto in questa selezione: non solo per notorietà, ma perché racconta bene una delle tensioni più interessanti dell’architettura a Firenze oggi, quella tra eredità storica e nuova vita del progetto.

Guicciardini & Magni Architetti

Con sede a Firenze, Guicciardini & Magni Architetti è uno studio attivo dal 1990 che ha costruito nel tempo un profilo molto riconoscibile nel campo del patrimonio culturale, del restauro, dell’allestimento museografico e dei progetti di riqualificazione urbana. Sul sito dello studio si legge che, a partire da quell’anno, hanno realizzato oltre 100 musei e altrettante mostre temporanee in Italia e all’estero: un dato che dice molto non solo sulla quantità del lavoro svolto, ma soprattutto sulla continuità di una ricerca che si misura da decenni con luoghi ad alta densità storica e simbolica.

È in questa selezione perché rappresenta molto bene una delle vocazioni più profonde dell’architettura a Firenze: quella che non cerca visibilità attraverso il gesto spettacolare, ma costruisce qualità progettuale nel confronto con la storia, con gli spazi della cultura, con il disegno urbano e con la delicata trasformazione dell’esistente. In una città come Firenze, dove il rapporto tra contemporaneo e patrimonio è sempre esposto a semplificazioni, il lavoro di Guicciardini & Magni mostra invece una linea precisa, rigorosa, fondata sulla capacità di intervenire senza cancellare la complessità dei luoghi.

Tra i progetti che spiegano meglio questa presenza nella selezione c’è naturalmente il Museo dell’Opera del Duomo di Firenze, realizzato insieme a Natalini Architetti nell’ambito del progetto di restauro e allestimento museografico nato dal concorso per l’ampliamento del museo. Ma è altrettanto significativo il lavoro su Piazza del Duomo, dove lo studio ha firmato un intervento di riqualificazione urbana e sistema di segnaletica per uno dei luoghi più sensibili e più osservati della città. È anche per questo che Guicciardini & Magni Architetti merita di stare in questa mappa: perché racconta un’idea di architettura colta, misurata e profondamente urbana, capace di operare nel cuore della tradizione senza ridurla a immagine immobile.

Natalini Architetti

Con sede a Firenze, Natalini Architetti è lo studio che raccoglie e prosegue una parte importante dell’eredità progettuale di Adolfo Natalini, figura centrale dell’architettura italiana del secondo Novecento, attraverso la continuità professionale di Fabrizio Natalini, associato allo studio dal 1991. È da questo passaggio che prende forma l’attività dei Natalini Architetti come realtà professionale riconoscibile, legata a una matrice culturale fortemente fiorentina ma capace di misurarsi con temi di respiro più ampio.

È in questa selezione perché il nome Natalini, a Firenze, non appartiene soltanto alla storia del dibattito architettonico, ma continua a confrontarsi con luoghi e questioni di grande rilievo per la città. In un contesto come quello fiorentino, dove ogni intervento entra inevitabilmente in rapporto con il patrimonio storico, la presenza di uno studio legato a una riflessione così profonda sul rapporto tra progetto, memoria e trasformazione conserva ancora oggi un peso specifico ben riconoscibile.

A confermare questa continuità c’è anche un riscontro recente: nel 2024, per il nuovo allestimento del Museo di Orsanmichele a Firenze, il progetto viene attribuito a MAP Architetti con Natalini Architetti (Fabrizio Natalini). Un dettaglio che conta, perché mostra come lo studio non sia soltanto il deposito di una memoria professionale, ma una presenza ancora attiva nel lavoro su uno dei contesti più delicati della città.

Natalini Architetti entra quindi in questa selezione non per omaggio formale, ma perché continua a rappresentare una linea colta e autorevole dell’architettura fiorentina: una linea che tiene insieme eredità culturale, responsabilità verso la storia costruita e permanenza operativa nel presente.

q-bic

Fondato a Firenze nel 2005 da Luca Baldini, architetto, e Marco Baldini, designer, q-bic è uno studio di progettazione multidisciplinare che negli anni ha costruito un profilo sempre più riconoscibile tra architettura, interior design, hospitality, spazi per il food e riqualificazione dell’esistente. Sul sito dello studio, tra gli ambiti dichiarati, compaiono in modo esplicito anche la rigenerazione urbana, il recupero di edifici storici e la trasformazione di complessi industriali dismessi: tre temi che, nel caso di Firenze, non sono soltanto un orientamento professionale, ma una vera chiave di lettura del presente.

È in questa selezione perché rappresenta bene una Firenze capace di lavorare sul contemporaneo senza rinunciare alla complessità del costruito. Il suo nome è diventato ancora più centrale nel dibattito recente grazie a Factory, all’interno di Manifattura Tabacchi, uno dei progetti di rigenerazione più significativi della città negli ultimi anni. L’intervento, inaugurato nel 2023, riguarda gli edifici 4, 5 e 11 del complesso e immagina un grande spazio-laboratorio dedicato a creatività, artigianato, cultura e nuove forme di produzione.

Proprio con Factory / Firenze, q-bic ha ottenuto il Primo Premio ex aequo nella categoria Restauro | Recupero del Premio Architettura Toscana 2024. Non è un dettaglio marginale: è uno dei riconoscimenti che spiegano meglio perché lo studio meriti di stare in questa mappa. q-bic entra infatti in questa selezione non solo per visibilità o presenza social, ma perché incarna con chiarezza un’idea di progetto che a Firenze oggi conta molto: il riuso intelligente, la riconversione di grandi strutture dismesse e la capacità di trasformare un’eredità industriale in un nuovo spazio urbano aperto alla città.

Studio Benaim

Con base a Firenze, Studio Benaim è una realtà coordinata dal fondatore André Benaim e composta da un team multidisciplinare, attiva da circa trent’anni tra Toscana, Italia e contesto internazionale. Più che inseguire un’immagine autoriale fine a sé stessa, lo studio ha costruito nel tempo un metodo di lavoro molto concreto, legato alla trasformazione degli spazi attraverso restauro, ristrutturazione e progetto d’interni.

Negli ultimi anni il suo nome si è legato in modo particolare a uno degli interventi più osservati della Firenze contemporanea: GO – Giunti Odeon, il progetto che ha restituito una nuova vita allo storico Cinema Odeon, trasformandolo in un luogo ibrido tra libreria e sala cinematografica. Firmato nel 2023, l’intervento lavora su uno spazio emblematico del centro cittadino senza svuotarlo della sua identità, ma accompagnandolo verso un nuovo uso culturale coerente con il presente.

È soprattutto qui che si comprende la presenza di Studio Benaim in questa selezione: nella capacità di intervenire su un luogo altamente simbolico e di farlo con un progetto che tiene insieme memoria, funzione contemporanea e qualità dell’esperienza. Non a caso GO – Giunti Odeon / Firenze ha ottenuto il Primo Premio ex aequo nella categoria Restauro | Recupero del Premio Architettura Toscana 2024. Più del riconoscimento in sé, conta ciò che questo progetto dimostra: che a Firenze è ancora possibile restituire forma pubblica e valore culturale a un luogo storico senza ridurlo a semplice contenitore.

Pierattelli Architetture

Fondato a Firenze nel 1980 da Massimo Pierattelli, Pierattelli Architetture è uno studio che nel tempo ha costruito una presenza riconoscibile ben oltre il contesto locale, muovendosi tra architettura, paesaggio, interni e product design. Oggi è guidato da Massimo Pierattelli insieme ai figli Andrea e Claudio, e continua a sviluppare il proprio lavoro a partire da una matrice fiorentina molto chiara: attenzione al contesto, dialogo tra passato e presente, ricerca di un equilibrio tra misura formale, materiali e nuove funzioni.

È in questa selezione perché rappresenta una delle realtà più riconoscibili della scena fiorentina contemporanea, anche per la continuità con cui ha saputo lavorare su interventi residenziali, hospitality, uffici e riqualificazione di spazi esistenti. In una città come Firenze, dove il progetto rischia spesso di essere schiacciato tra tutela e immagine, Pierattelli Architetture occupa una posizione interessante: quella di uno studio che non rinuncia a una forte identità formale, ma la misura sempre con il carattere dei luoghi e con la loro storia materiale.

Tra i lavori che aiutano a capire perché il suo nome meriti di stare in questa mappa c’è Villa Gelsomino a Firenze, progetto che ha ricevuto il THE PLAN Award 2023 nella categoria Future House. Più che il premio in sé, conta ciò che questo intervento restituisce: la capacità di interpretare il tema dell’abitare contemporaneo attraverso un linguaggio sobrio, preciso, capace di lavorare sulla continuità tra architettura, interno e paesaggio. È anche per questo che Pierattelli Architetture entra in questa selezione: perché racconta una Firenze progettuale che non coincide soltanto con il restauro o con il peso del centro storico, ma anche con una ricerca costante sul presente dell’abitare.

FABBRICANOVE

Fondato a Firenze nel 2009 da Enzo Fontana, Giovanni Bartolozzi e Lorenzo Matteoli, FABBRICANOVE è uno studio di architettura e urbanistica che si è costruito nel tempo un profilo riconoscibile attraverso un lavoro attento alla scala urbana, all’architettura, agli interni e alla trasformazione dell’esistente. La sua natura multidisciplinare non è un dettaglio secondario: aiuta a capire perché il loro lavoro riesca spesso a muoversi con equilibrio tra progetto, contesto e uso concreto degli spazi.

È in questa selezione perché rappresenta bene una linea dell’architettura fiorentina contemporanea meno urlata, ma molto solida: quella che lavora con rigore sul costruito, sui processi di rigenerazione e sulla qualità dell’intervento anche quando il tema non è monumentale o iconico. In questo senso FABBRICANOVE è uno di quei nomi che, forse, non cercano l’effetto immediato, ma restituiscono con continuità una ricerca credibile sul progetto contemporaneo.

A spiegare bene la sua presenza in questa mappa c’è anche Civico 22, intervento di trasformazione e rigenerazione di un edificio degli anni Settanta, già selezionato per il Premio Architettura Toscana 2022. Il progetto lavora sulla doppia natura dell’edificio — più urbana verso la strada, più aperta verso l’interno — e mostra una sensibilità precisa nel modo di ripensare l’esistente senza semplificarlo. È anche per questo che FABBRICANOVE entra in questa selezione: perché racconta un’idea di architettura che a Firenze ha ancora molto da dire, soprattutto quando il progetto sceglie la misura, la continuità e la qualità come strumenti di trasformazione.

OPPS Architettura

Con sede a Firenze in via Fossombroni 11, OPPS Architettura nasce tra il 2015 e il 2016 dalla volontà di giovani architetti toscani; tra i fondatori ricorrono i nomi di Filippo Pecorai, Francesco Polci e Antonio Salvi. È uno studio associato che ha costruito la propria identità attraverso una pratica trasversale, fatta di concorsi, progetti privati e collaborazioni pubbliche, senza specializzarsi in una sola scala o in un solo ambito.

È in questa selezione perché rappresenta una delle linee più interessanti della nuova architettura fiorentina: quella che non nasce dall’eredità di uno studio storico, ma da una generazione che ha scelto di misurarsi con il progetto attraverso ricerca, concorsi e continuità di lavoro. In questo senso OPPS porta dentro la lista un’energia diversa, più recente, ma non per questo meno autorevole. Anzi, il suo profilo si è consolidato anche grazie a riconoscimenti significativi, tra cui la Medaglia d’Oro dalle Pontificie Accademie 2022, il premio Carlottaxarchitettura under35 2022 e la selezione tra i migliori studi di New Italian Blood 2016.

A rendere ancora più chiara la sua presenza in questa mappa è il modo in cui lo studio lavora sul progetto senza distinzione rigida tra architettura, spazio educativo, abitare e luoghi della quotidianità. Anche l’immagine pubblica che emerge oggi, inclusi i progetti recenti condivisi dallo studio, restituisce un’attenzione concreta per temi come scuola, paesaggio e qualità dell’esperienza. OPPS Architettura entra quindi in questa selezione perché racconta una Firenze progettuale più giovane e sperimentale, ma già abbastanza strutturata da meritare attenzione dentro un discorso serio sull’architettura contemporanea in città.

abp architetti

abp architetti nasce a Firenze nel 2018 dalla collaborazione tra Alberto Becherini, Piera Bongiorni e Andrea Borghi. Oggi lo studio è diretto da Alberto Becherini e Piera Bongiorni, e sviluppa una ricerca progettuale molto chiara su paesaggio, spazio pubblico ed edifici a servizio della comunità. È un’impostazione importante, perché dice subito che non siamo davanti a uno studio concentrato soltanto sull’oggetto architettonico, ma a una realtà che lavora sul rapporto tra città, margini urbani e uso collettivo dello spazio.

È in questa selezione perché rappresenta una generazione più giovane dell’architettura fiorentina, ma già dotata di un orientamento riconoscibile e tutt’altro che fragile. Nel loro profilo emerge infatti una particolare attenzione per i vuoti urbani, per le fratture tra città storica e aree di margine, per la possibilità di restituire continuità spaziale e sociale attraverso il progetto. È un approccio che, in una città come Firenze, assume un interesse specifico: sposta il discorso dall’architettura come gesto alla città come organismo da ricucire.

A spiegare bene la loro presenza in questa mappa è anche il tipo di lavori che compongono il portfolio dello studio, dove ricorrono parchi urbani, piazze, poli scolastici, asili, spazi pubblici e attrezzature civiche. Non un’unica icona, dunque, ma una direzione progettuale coerente. abp architetti entra in questa selezione proprio per questo: perché racconta una Firenze progettuale giovane, contemporanea e già abbastanza consapevole da misurarsi con ciò che oggi conta davvero, cioè la qualità dello spazio condiviso e il rapporto tra architettura e vita pubblica.

Carmassi Studio di Architettura

Con sede a Firenze, Carmassi Studio di Architettura prende forma nel 1997, quando Massimo Carmassi fonda lo studio insieme a Gabriella Ioli. La figura di Carmassi, nato a Pisa nel 1943 e laureato in architettura a Firenze nel 1970, appartiene a quella generazione di progettisti che hanno attraversato il dibattito architettonico italiano con un profilo insieme operativo e teorico, costruendo nel tempo una reputazione alta, fondata più sulla qualità del lavoro che sulla ricerca di esposizione.

È in questa selezione perché rappresenta una delle presenze più autorevoli che Firenze possa esprimere nel campo del progetto contemporaneo. Nel suo lavoro convivono restauro, riuso, spazio pubblico, progetto culturale e una riflessione molto precisa sul rapporto tra costruzione e tempo. In una città come Firenze, dove l’architettura è costretta a confrontarsi continuamente con la misura della storia, Carmassi Studio di Architettura porta una linea particolarmente rigorosa: non decorativa, non spettacolare, ma profondamente consapevole del peso civile del progetto.

La sua presenza in questa selezione non è dovuta tanto alla notorietà, ma principalmente alla sua capacità di continuare a incarnare un’idea esigente di architettura, capace di tenere insieme cultura del costruire, responsabilità verso l’esistente e intensità dello spazio. È anche questo che rende Carmassi un nome necessario in una selezione dedicata dei migliori studi di architettura a Firenze: la capacità di ricordare che il progetto, prima ancora di essere immagine, è una forma di pensiero applicata alla città e ai suoi luoghi.

Ipostudio Architetti

Fondato a Firenze nel 1984, Ipostudio Architetti è un gruppo di lavoro che, nel tempo, ha costruito una posizione molto riconoscibile nel panorama toscano attraverso un percorso coerente tra architettura civile, rigenerazione urbana, riuso di complessi monumentali, edilizia scolastica, residenze speciali e spazi per la comunità. Più che uno studio legato a un gesto autoriale, Ipostudio si distingue per una continuità di ricerca che tiene insieme progetto, funzione pubblica e trasformazione dell’esistente.

È uno di quei nomi che a Firenze contano per serietà e profondità del lavoro più che per esposizione immediata. La loro presenza in questa selezione si lega proprio a questo: alla capacità di attraversare temi centrali per la città e per il progetto contemporaneo — il patrimonio, l’abitare collettivo, gli spazi educativi, i luoghi della cura — con un linguaggio misurato, mai compiaciuto, ma sempre molto leggibile sul piano architettonico. Le pubblicazioni e le esposizioni alla Biennale di Venezia e alla Triennale di Milano confermano una rilevanza che non resta confinata alla dimensione locale.

A rendere ancora più chiara la loro presenza in questa mappa è il rapporto concreto con Firenze. Tra i progetti più significativi compaiono infatti il Nuovo Museo degli Innocenti, il Caffè del Verone e la Residenza Universitaria Campus Firenze, tutti interventi che mostrano, in modi diversi, una sensibilità precisa nel misurarsi con il costruito, con l’uso pubblico e con la vita contemporanea della città. È in questo equilibrio tra autorevolezza, continuità e capacità di incidere sui luoghi reali che Ipostudio Architetti trova qui la sua collocazione più naturale.

OKS Architetti

Con sede a Firenze, OKS Architetti nasce nel 2014 dall’incontro tra Eugenio Salvetti e Luca Scollo, entrambi formatisi alla Facoltà di Architettura dell’Università di Firenze. Fin dall’inizio lo studio si muove tra architettura, urbanistica e design, costruendo una pratica che tiene insieme ricerca, concorsi e lavoro sul campo con una notevole continuità.

Quello che rende interessante la loro presenza in questa selezione è il modo in cui il progetto viene affrontato come strumento capace di tenere insieme scala urbana, uso pubblico e qualità dello spazio. Nei loro lavori ricorrono infatti scuole, parchi, spazi per l’infanzia, waterfront, allestimenti e architetture civiche: un insieme che restituisce bene la fisionomia di uno studio giovane, ma già strutturato, capace di misurarsi con temi molto concreti della contemporaneità.

A chiarire ulteriormente la loro collocazione dentro questa mappa c’è anche il rapporto diretto con Firenze. Tra i progetti più recenti compare, per esempio, l’area attrezzata inclusiva alle Piagge, intervento collocato nella periferia ovest della città e pensato come spazio accessibile e condiviso. È un lavoro piccolo solo in apparenza, perché racconta bene una sensibilità progettuale che guarda allo spazio pubblico come luogo di relazione, non come semplice vuoto da sistemare. Ed è proprio in questa attenzione al quotidiano, alle soglie urbane e ai luoghi da restituire all’uso collettivo che OKS Architetti trova qui la sua presenza più naturale.

Germino Guidi Architettura

Germino Guidi Architettura è lo studio attivo a Firenze guidato da Giampiero Germino e Alessandro Guidi. Accanto a questa realtà, Quattroterzi resta un laboratorio di architettura legato allo stesso percorso professionale. Negli ultimi anni lo studio ha costruito un profilo riconoscibile nel campo dell’architettura d’interni, del recupero e della trasformazione misurata degli spazi.

La loro presenza in questa selezione si lega proprio a questa qualità: una capacità di lavorare sull’esistente senza appesantirlo, lasciando che siano lo spazio, le proporzioni e gli elementi costruiti a definire il carattere dell’intervento. In una città come Firenze, dove anche il progetto di interni si misura spesso con edifici storici e con una forte densità materica e simbolica, questo tipo di sensibilità non è affatto secondaria.

A rendere particolarmente chiara la loro presenza in questa mappa è Casa M-U, progetto realizzato nel 2021 nel centro storico di Firenze, in via dei Tosinghi, al quinto e sesto piano di Palazzo de’ Visdomini. L’intervento è stato incluso tra le opere selezionate del Premio Architettura Toscana 2024 e racconta bene il loro modo di lavorare: pochi elementi, interventi calibrati, un rapporto attento tra arredo, struttura e spazio abitato. È in questa misura, più che nell’effetto, che Germino Guidi Architettura trova qui la sua collocazione più convincente.

DeVITALAUDATI

Con sede a Firenze, DeVITALAUDATI è uno studio di architettura fondato nel 2018 da Ciro De Vita e Renata Laudati. La loro base operativa si trova in una ex falegnameria nel centro storico, alle spalle di Santa Croce, trasformata in spazio di lavoro senza alterarne il carattere originario: un dettaglio che dice già molto del loro modo di intendere il progetto, sempre attento al rapporto tra memoria, materia e nuova funzione.

Nel loro percorso si avverte una sensibilità precisa per la reinterpretazione contemporanea dei materiali tradizionali, per il dettaglio e per il contesto. Non è un’architettura che cerca di imporsi per eccesso, ma una pratica che sembra preferire interventi misurati, costruiti attraverso equilibrio, attenzione e una certa tensione sperimentale. Anche la presenza di conce39rosso, spazio dedicato a esposizioni e creazione tra arte, architettura e design, contribuisce a restituire l’immagine di uno studio che non vive il progetto come gesto isolato, ma come parte di un dialogo più ampio con la cultura visiva e con la città.

La loro presenza in questa selezione trova una ragione ulteriore nel Premio Architettura Toscana 2024, dove il progetto Circolo La Torre è stato incluso tra le opere selezionate. È un passaggio che aiuta a leggere meglio la loro collocazione dentro la scena fiorentina: non tanto come nome già canonizzato, quanto come studio che sta costruendo una propria riconoscibilità attraverso un lavoro coerente, colto e sempre molto consapevole della relazione tra spazio e identità dei luoghi.

Eleonora Sassoli Architetto

Nata a Prato nel 1979, Eleonora Sassoli è un’architetta e designer che oggi porta avanti la propria attività professionale nella progettazione architettonica e nell’interior design, concentrando il proprio lavoro sul prodotto, sull’edilizia pubblica e privata e sulla ricerca applicata alle superfici e agli ambienti. Il suo profilo, più che entro i confini di una pratica esclusivamente edilizia, si definisce in quel punto d’incontro tra architettura, decorazione, manifattura e visione materica che oggi sta tornando centrale in molti discorsi sul progetto.

La sua presenza in questa selezione ha senso proprio dentro questa specificità. Eleonora Sassoli non porta tanto una linea “istituzionale” dell’architettura fiorentina, quanto una sensibilità più trasversale, legata al modo in cui il progetto può estendersi alle superfici, agli interni, alla percezione degli spazi e alla costruzione di un immaginario coerente. È una presenza che arricchisce la mappa perché introduce una voce diversa: più fluida, più ibrida, ma non per questo meno consapevole. In questo senso contano anche il suo rapporto con la scena della formazione a Firenze e la collaborazione con Accademia Cappiello, realtà fiorentina fondata nel 1956, che rafforzano il legame con un contesto cittadino in cui architettura, arti applicate e cultura visiva continuano a dialogare in modo fertile.

A chiarire bene questa traiettoria è soprattutto il lavoro sviluppato con Zambaiti Contract, dove il suo nome compare tra le firme coinvolte nelle collezioni Project e Project Chapter II. Qui il progetto decorativo non viene trattato come semplice rivestimento, ma come dispositivo capace di trasformare la parete in superficie narrativa, luminosa, atmosferica. Nella linea Lucente, per esempio, la rilettura della Primavera di Botticelli attraverso carte da parati floreali costruite tra manualità e rielaborazione digitale restituisce con precisione il suo campo d’azione: un design che tiene insieme memoria figurativa, artigianalità, tecnologia e forte senso scenografico. A questo si aggiunge anche il suo ruolo nello studio dell’area tecnica di Barone Italia, che amplia ulteriormente il suo raggio d’azione e conferma una pratica progettuale capace di muoversi con naturalezza tra architettura, interni, superfici e sviluppo tecnico del prodotto. È anche in questa capacità di attraversare linguaggi e scale diverse, senza banalizzare né l’una né l’altra, che Eleonora Sassoli trova qui la sua collocazione più convincente.

Studio Tricot

Studio Tricot è uno studio di architettura fondato a Firenze, attivo soprattutto tra architettura d’interni, residenze, hospitality e spazi commerciali, con un linguaggio che lavora spesso sul dialogo tra memoria e contemporaneità. La loro cifra emerge con chiarezza già nella presentazione dello studio: una ricerca costante “tra passato e futuro, tra arte e moda”, che restituisce bene il tipo di sensibilità con cui affrontano il progetto.

La loro presenza in questa selezione ha senso proprio per questo equilibrio. In una città come Firenze, dove anche gli interni portano con sé una forte densità storica e simbolica, Studio Tricot si muove con una misura interessante, lavorando sul dettaglio, sull’atmosfera e sulla trasformazione degli spazi senza appesantirli. Non è un’architettura che cerca il colpo d’effetto, ma un modo di progettare che affida molto alla qualità delle proporzioni, dei materiali e del rapporto con il carattere originario dei luoghi.

A rendere particolarmente chiara la loro collocazione dentro questa mappa c’è anche l’intervento per la Palazzina Reale di Santa Maria Novella, inaugurata nel 2015 come nuova sede dell’Ordine degli Architetti di Firenze e della Fondazione. Gli interni furono curati proprio da Studio Tricot, in un luogo che per la città ha avuto negli anni un valore non soltanto funzionale, ma anche culturale. È un passaggio che spiega bene perché questo nome meriti attenzione: perché racconta una Firenze progettuale capace di intervenire anche sui luoghi della rappresentanza architettonica con un linguaggio colto, misurato e riconoscibile.

Simone Micheli Architectural Hero

Fondato nel 1990, e strutturato dal 2003 anche attraverso Simone Micheli Architectural Hero insieme a Roberta Colla, il lavoro di Simone Micheli occupa da anni una posizione riconoscibile nel panorama del progetto italiano per la sua capacità di muoversi con continuità tra architettura, interior design, allestimento, comunicazione e identità degli spazi. La matrice fiorentina resta parte importante di questa traiettoria: Firenze non è solo una sede operativa, ma uno dei luoghi da cui ha preso forma un linguaggio progettuale immediatamente leggibile, costruito attraverso ambienti fluidi, segni netti, forte controllo dell’immagine complessiva e una costante attenzione al rapporto tra spazio ed esperienza.

La sua presenza in questa selezione si comprende soprattutto guardando alla coerenza del percorso. Più che a singoli episodi isolati, Simone Micheli ha legato il proprio nome a una produzione ampia e continua, in particolare nei settori hospitality, wellness, retail, residenziale e spazi ibridi, sviluppando un’idea di progetto che non si ferma all’architettura in senso stretto, ma costruisce atmosfere, immaginari, sistemi percettivi. È proprio questa continuità, più ancora della notorietà, a renderlo un nome rilevante dentro una mappa dedicata a Firenze: la capacità di trasformare una cifra personale in una vera linea professionale, riconoscibile nel tempo e diffusa su scala internazionale.

A confermare il peso di questo percorso non ci sono solo i molti progetti sviluppati negli anni, ma anche una lunga presenza nel dibattito culturale, espositivo e formativo, insieme a numerosi riconoscimenti internazionali. La sua attività didattica legata anche alla Facoltà di Architettura di Firenze aggiunge un altro elemento importante: il progetto, nel suo caso, non si presenta soltanto come pratica professionale, ma come visione complessiva dello spazio contemporaneo, dal costruito all’allestimento, dall’interno alla relazione con il pubblico. È in questa capacità di tenere insieme immagine, funzione e racconto che Simone Micheli trova qui la sua collocazione più naturale.

Fontego Architettura

Con sede a Firenze, Fontego Architettura è lo studio fondato da Francesco Busi, e nel suo lavoro si riconosce subito una direzione precisa: il progetto come esercizio di misura, sottrazione e chiarezza spaziale. Più che cercare effetti dichiarativi, Fontego sembra lavorare per concentrazione, lasciando che siano la struttura, la luce, la materia e il rapporto tra pieni e vuoti a definire il carattere degli interventi.

La sua presenza in questa selezione si giustifica proprio dentro questa qualità di sguardo. In una città come Firenze, dove il progetto rischia facilmente di appoggiarsi troppo sull’immagine o, al contrario, di farsi timido davanti al costruito, Fontego Architettura sceglie una strada più controllata: intervenire con precisione, alleggerire, riorganizzare, restituire agli spazi una leggibilità nuova senza forzarli. È un atteggiamento che emerge con chiarezza soprattutto negli interventi di recupero e ristrutturazione, dove lo studio mostra una notevole sensibilità nel lavorare sull’esistente.

A renderne particolarmente convincente la presenza in questa mappa è anche il modo in cui i progetti si radicano nel territorio fiorentino. Casa Scala, nel centro di Firenze, oppure il recupero di un fienile sulle colline poco a sud della città, raccontano entrambi la stessa attitudine: pochi elementi, nessuna enfasi superflua, un lavoro molto attento sulla trasformazione dello spazio abitato. È in questa coerenza, più che nella ricerca di visibilità, che Fontego Architettura trova qui il suo posto naturale.

Eutropia Architettura

Eutropia Architettura nasce a Firenze nel 2003 e, dal 2005, sviluppa un’attività che attraversa progettazione architettonica, progettazione urbana, interior design, restauro, trasformazioni spaziali e allestimenti. È uno studio che si muove con naturalezza tra scale diverse, ma che mantiene al centro una stessa idea di progetto: dare forma allo spazio senza separare mai disegno, uso, costruzione e gestione concreta del processo.

Il suo profilo diventa particolarmente interessante in una selezione come questa perché racconta una Firenze progettuale che non si esaurisce nei nomi più istituzionali, ma continua a produrre studi capaci di lavorare con intelligenza tra città, interni e paesaggio. Nei lavori di Eutropia si avverte spesso una sensibilità attenta al rapporto tra trasformazione e permanenza, soprattutto quando il progetto interviene sull’esistente, sullo spazio abitato o su contesti che chiedono una misura precisa più che un gesto dichiarativo.

A rendere più chiara la sua presenza in questa mappa ci sono anche alcuni progetti fortemente legati al territorio fiorentino: Piazza Macelli a Certaldo, inclusa nel Premio Architettura Toscana, il progetto Leonardo Ricci 100 all’Ex Refettorio di Santa Maria Novella a Firenze, e lavori più recenti come Laborplay o Una casa sulle colline di Firenze, che mostrano bene la capacità dello studio di passare dal progetto urbano all’interno mantenendo una cifra coerente. È proprio in questa continuità, colta ma concreta, che Eutropia Architettura trova qui la sua collocazione più naturale.

Giraldi Associati Architetti

Fondato a Firenze nel 1997 da Fulvio Giraldi, Giraldi Associati Architetti è uno studio multidisciplinare che nel tempo ha ampliato il proprio raggio d’azione ben oltre la scala locale, sviluppando una vasta attività tra architettura, interior design, retail, corporate image, hospitality, residenze e masterplanning. Il suo tratto più riconoscibile non sta soltanto nella continuità del lavoro, ma nella capacità di costruire sistemi spaziali e identitari complessi, soprattutto per clienti internazionali e per il mondo della moda.

La sua presenza in questa selezione ha un senso preciso proprio per questo: racconta una Firenze che non coincide soltanto con il restauro, con il patrimonio o con il progetto colto in senso più tradizionale, ma anche con una dimensione professionale fortemente contemporanea, capace di misurarsi con immagine coordinata, spazi commerciali, showroom e ambienti costruiti per brand globali. Nel corso degli anni lo studio ha progettato più di 1.200 boutique, oltre a numerosi showroom e uffici in Italia e all’estero, costruendo un profilo raro per estensione e continuità.

A rendere ancora più chiaro il suo radicamento fiorentino c’è anche la sede principale, oggi in Borgo Albizi, dopo il precedente trasferimento nel palazzo Antinori-Aldobrandini in via dei Serragli: un passaggio che restituisce bene il modo in cui lo studio ha saputo collocare una pratica fortemente internazionale dentro un contesto profondamente legato alla città. È in questa combinazione tra base fiorentina, vocazione globale e capacità di costruire architetture dell’identità che Giraldi Associati Architetti trova qui la sua collocazione più naturale.

Officina Abitare

Fondata a Firenze nel 2012 da Sara Bartolini e Matteo Pierattini, Officina Abitare si definisce come uno studio di progettazione sostenibile. Non è una formula accessoria, ma un orientamento molto chiaro del lavoro: integrazione tra materiali innovativi e materiali della tradizione, attenzione al paesaggio, qualità dell’abitare e ricerca di un’architettura capace di essere al tempo stesso concreta, accogliente e responsabile.

La loro presenza in questa selezione ha senso proprio per questo taglio così dichiarato e, allo stesso tempo, così poco ornamentale. In una città come Firenze, dove il progetto rischia spesso di essere letto quasi esclusivamente attraverso il filtro del patrimonio storico, Officina Abitare introduce una sensibilità diversa: quella di uno studio che mette al centro benessere abitativo, sostenibilità ambientale, efficienza energetica e rapporto con il contesto come parti integranti del progetto, non come aggiunte tecniche da esibire a posteriori.

A rendere più concreta questa collocazione è anche il modo in cui lo studio presenta il proprio lavoro, articolato tra interventi rurali e urbani, recuperi, ristrutturazioni, efficientamento e progettazione integrata, con una base operativa molto chiara in città, in via Cairoli a Firenze. È una presenza che arricchisce questa mappa perché ricorda che il progetto contemporaneo, qui, non si misura soltanto con grandi luoghi simbolici o con operazioni di rigenerazione più evidenti, ma anche con il modo in cui si torna a pensare la casa, l’energia, il paesaggio e la qualità della vita quotidiana.

rosso19

Con sede a Firenze, in via dei Cardatori nel quartiere di San Frediano, rosso19 è uno studio fondato da Barbara Monica e Tommaso Rossi Fioravanti, entrambi formati all’Università di Firenze. Fin dall’inizio il loro lavoro si è mosso tra architettura, interni, spazio urbano e concorsi, costruendo una pratica che non separa il progetto domestico da quello civico e che tiene insieme con naturalezza ricerca, professione e riflessione sulla città.

La loro presenza in questa selezione si gioca soprattutto qui: nella capacità di rappresentare una Firenze progettuale meno istituzionale ma molto viva, che lavora su più scale senza perdere coerenza. Nei progetti di rosso19 si avverte spesso una tensione precisa tra essenzialità e carattere, tra costruzione dello spazio e attenzione alla materia, con un linguaggio che non cerca effetti ridondanti ma tende piuttosto a far emergere l’identità dei luoghi attraverso pochi elementi ben controllati.

A rendere convincente la loro collocazione dentro questa mappa è anche la continuità con cui lo studio ha sviluppato interventi a Firenze, sia in ambito residenziale sia nella riflessione sul progetto urbano. Casa DR e altri lavori collocati in città raccontano bene questa attitudine, così come la presenza costante nei concorsi e nei progetti di trasformazione dello spazio collettivo. Rosso19 trova qui la sua ragione più naturale perché restituisce l’immagine di uno studio fiorentino capace di tenere insieme pratica, ricerca e una visione del progetto ancora profondamente legata alla città come luogo da abitare e reinterpretare.

b-arch studio

Fondato nel 2000 da Sabrina Bignami e Alessandro Capellaro, b-arch studio è una realtà che si muove tra architettura, interior design, ospitalità, retail e spazi residenziali, costruendo negli anni un linguaggio molto riconoscibile, attento al rapporto tra struttura, atmosfera e dettaglio. Sabrina Bignami si laurea all’Università di Firenze nel 1997, mentre il profilo pubblico dello studio restituisce una pratica ormai consolidata, capace di lavorare in Italia e all’estero senza perdere una forte identità progettuale.

Qui il punto interessante non è tanto la semplice continuità del lavoro, quanto il modo in cui b-arch affronta la trasformazione degli spazi: con un’attenzione costante alla materia, alla luce, agli interni e al carattere complessivo dell’esperienza. Nei progetti dello studio ricorrono residenze, ristoranti, hotel e recuperi, ma ciò che tiene insieme questa varietà è una sensibilità precisa per l’architettura come costruzione di atmosfera, mai separata dalla concretezza dell’uso.

La sua presenza in questa selezione si giustifica soprattutto per il rapporto reale con Firenze e con il territorio vicino alla città. Tra i lavori pubblicamente documentati compaiono, per esempio, Box House a Firenze, il recupero di una residenza sul Lungarno alle Grazie, e altri interventi che mostrano bene la capacità dello studio di misurarsi con l’esistente senza irrigidirlo. A questo si aggiunge il fatto che I Vivai al Parugiano è stato incluso tra le opere selezionate del Premio Architettura Toscana 2024 nella categoria Nuova Costruzione, ulteriore segnale di una presenza progettuale solida e non episodica.

Andrea Parigi

Nato a Firenze, dove si è laureato in Architettura con lode, Andrea Parigi ha costruito un percorso professionale che unisce esperienza internazionale e radicamento locale. Prima di sviluppare la propria attività ha lavorato infatti presso Richard Rogers Partnership a Londra, Renzo Piano Building Workshop a Genova e Mario Cucinella Architects a Bologna: un passaggio che aiuta a leggere meglio il suo profilo, sospeso tra rigore progettuale, attenzione alla sostenibilità e una riflessione più ampia sul significato dello spazio.

La sua presenza in questa selezione si lega soprattutto a un’opera molto precisa e fortemente riconoscibile nel paesaggio urbano fiorentino: il Mercato rionale de Le Cure, progettato per il Comune di Firenze tra il 2014 e il 2018 e realizzato tra il 2018 e il 2020 in piazza delle Cure. È un intervento che restituisce bene il senso del suo lavoro: non un’architettura autoreferenziale, ma una struttura capace di incidere sulla vita quotidiana della città, dando forma a uno spazio pubblico coperto, aperto, contemporaneo e insieme fortemente legato all’uso collettivo.

È proprio questo a renderlo interessante dentro una mappa dedicata a Firenze. Andrea Parigi non rappresenta tanto la linea più istituzionale o più museale dell’architettura cittadina, quanto una presenza capace di intervenire su un luogo quotidiano e popolare con un progetto dal segno netto, che ha saputo trasformare il mercato in una piccola architettura civica. In una città dove il progetto si confronta spesso con la storia monumentale, lavori come questo ricordano che anche lo spazio ordinario può diventare un punto di qualità urbana e di riconoscibilità contemporanea.

P&M Palterer Medardi Architecture

Con sede a Firenze, P&M Palterer Medardi Architecture è una società di progettazione architettonica fondata da David Palterer e Norberto Medardi, nella quale confluiscono anche le esperienze maturate in oltre trent’anni di attività professionale dello studio Palterer. È una realtà che lavora a scala internazionale, ma che mantiene un legame chiaro con Firenze, non solo come sede operativa, ma anche come campo di intervento e di ricerca.

È in questa selezione perché rappresenta una linea autorevole dell’architettura fiorentina, capace di tenere insieme restauro, allestimento, spazio pubblico e progetto contemporaneo senza perdere misura. Il loro lavoro non si impone attraverso gesti spettacolari, ma attraverso una costruzione attenta del rapporto tra memoria, struttura e uso. In una città come Firenze, questa qualità conta molto: significa saper intervenire sul patrimonio senza trasformarlo in semplice scenario.

A spiegare bene la presenza dello studio in questa mappa c’è anche il Percorso archeologico a Palazzo Medici Riccardi, incluso tra le opere segnalate nel Premio Architettura Toscana 2024. È un progetto che lavora sul dialogo tra architettura, stratificazione storica e fruizione contemporanea, e che restituisce con chiarezza il tipo di sensibilità che rende P&M un nome importante in questa selezione. Non soltanto per autorevolezza, dunque, ma perché incarna un’idea di progetto colta, rigorosa e profondamente coerente con la complessità di Firenze.

L'articolo 25 studi di architettura a Firenze da conoscere: i migliori nomi tra restauro, rigenerazione urbana e progetto contemporaneo proviene da Archi & Interiors.

Parlare oggi di studi di architettura a Palermo significa allora osservare una scena progettuale che si muove tra continuità e trasformazione, tra recupero dell’esistente e nuove esigenze dell’abitare contemporaneo. Gli studi selezionati in questa mappa raccontano proprio questa doppia tensione: da una parte una sensibilità capace di leggere la storia della città, di respirarne l’identità mediterranea e di confrontarsi con la stratificazione del costruito; dall’altra una crescente attenzione verso il progetto degli interni, la riqualificazione, l’hospitality, il residenziale e i modi in cui oggi si ridefinisce il vivere urbano. In questo senso, i migliori studi di architettura a Palermo non si distinguono solo per stile o riconoscibilità, ma per la capacità di interpretare il presente senza perdere il dialogo con il carattere profondo dei luoghi.

Quella che segue non è una classifica, ma una selezione editoriale di 25 studi di architettura a Palermo da conoscere oggi. Una mappa costruita mettendo insieme nomi autorevoli, realtà consolidate e profili contemporanei che, con approcci differenti ma spesso convergenti per qualità e sensibilità, contribuiscono a raccontare il volto attuale del progetto palermitano.

Come abbiamo selezionato questi studi di architettura a Palermo

Riunire 25 studi di architettura a Palermo all’interno di un solo articolo significa, prima di tutto, riconoscere la complessità di una scena che non può essere letta in modo uniforme. Accanto a nomi più consolidati convivono infatti realtà capaci di muoversi tra restauro, interior design, riqualificazione, progetto residenziale, hospitality e ricerca contemporanea, in una città in cui l’architettura è chiamata costantemente a confrontarsi con la stratificazione storica, con la misura dell’esistente e con una forte identità mediterranea.

Questa selezione editoriale nasce proprio da qui: dalla volontà di restituire un quadro ampio ma coerente degli studi di architettura a Palermo da conoscere oggi, mettendo insieme riconoscibilità del percorso, qualità dei progetti, continuità del lavoro, presenza reale sul territorio e capacità di interpretare il presente. Abbiamo guardato a studi che, in modi diversi, mostrano sensibilità verso il contesto, attenzione alla trasformazione dell’abitare e una visione del progetto non isolata, ma radicata nel rapporto tra spazio, città, memoria e uso contemporaneo.

Non si tratta quindi di una classifica definitiva, né di un elenco esaustivo. Piuttosto, è una mappa ragionata costruita attorno a studi che aiutano a leggere una parte significativa del panorama progettuale palermitano di oggi. Alcuni si distinguono per autorevolezza, altri per una ricerca più contemporanea, altri ancora per la capacità di lavorare sugli interni, sul recupero o sulla ridefinizione dello spazio domestico e collettivo. Insieme, restituiscono l’immagine di una Palermo in cui il progetto continua a essere un terreno di dialogo tra storia, identità e nuove esigenze dell’abitare.

Studio Didea

Tra i nomi più interessanti della scena progettuale palermitana, Studio Didea si è imposto negli ultimi anni come una realtà capace di costruire un linguaggio riconoscibile, misurato e contemporaneo. Fondato a Palermo nel 2012, lo studio lavora tra residenziale, hospitality, spazi commerciali e interni, muovendosi con particolare naturalezza dentro quella zona sottile in cui il progetto deve saper dialogare con la luce, con la materia e con l’identità dei luoghi senza appesantirli. A Palermo il suo lavoro si ritrova in interventi come Casa A223, ricavata da un ex laboratorio nel centro storico, Casa A331, il bistrot Cento61, e in progetti più recenti come Zangaloro e Burger Pass, che restituiscono bene una pratica capace di attraversare scale e funzioni diverse mantenendo coerenza. In una città come Palermo, dove ogni spazio porta con sé una densità storica e atmosferica molto forte, Studio Didea si distingue per un approccio che non forza mai il contesto, ma lo rilegge con sensibilità contemporanea, precisione compositiva e attenzione concreta ai nuovi modi di abitare.

Provenzano Architetti Associati

Tra gli studi di architettura a Palermo che hanno attraversato con maggiore continuità il rapporto tra progetto, città e trasformazione dell’esistente, Provenzano Architetti Associati occupa un posto centrale. Fondato nel 1971, lo studio lavora da decenni tra architettura, progetto urbano, interni, residenziale, hospitality e spazi pubblici, mantenendo una presenza solida e riconoscibile nel panorama palermitano. Questa continuità si ritrova anche nella figura di Fausto e Sebastiano Provenzano, che hanno contribuito a consolidare un approccio capace di muoversi tra scala domestica e riflessione urbana senza perdere coerenza.

A Palermo il loro lavoro si legge bene proprio dentro questa doppia tensione. Da una parte ci sono interventi residenziali recenti, come la villa affacciata su Mondello Valdesi, dove il progetto rilegge in chiave contemporanea suggestioni Liberty e Art Déco con un linguaggio controllato e non nostalgico. Dall’altra emerge un interesse più ampio per il rapporto tra città e spazio pubblico, evidente anche nel lavoro sul Molo Trapezoidale e nelle riflessioni dello studio sul tema del porto come luogo di relazione tra Palermo e il suo fronte d’acqua. In questo senso, Provenzano Architetti Associati rappresenta bene una certa architettura palermitana capace di tenere insieme memoria, misura e visione urbana, senza rinunciare alla qualità dell’abitare contemporaneo.

LYGA Studio

Tra gli studi di architettura a Palermo che negli ultimi anni hanno costruito un’identità particolarmente riconoscibile, LYGA Studio occupa un posto di rilievo per la capacità di tenere insieme interior design, restauro e sensibilità mediterranea dentro una visione coerente dello spazio. Fondato dalle architette Lycia Trapani e Gaia Trapani, lo studio lavora sul progetto come forma di rilettura del passato in chiave contemporanea, con una particolare attenzione alla luce, al paesaggio domestico e alla relazione tra memoria e uso attuale. È un approccio che si avverte con chiarezza in lavori come Casa a Nord-Est, appartamento nobiliare settecentesco affacciato sulla Cala di Palermo, oppure in interventi più recenti come Palazzo Casano, dove il progetto degli interni si misura con l’eleganza stratificata della città senza irrigidirsi in una semplice operazione conservativa.

In una città come Palermo, dove il progetto si confronta continuamente con edifici storici, atmosfere marine e identità complesse, LYGA Studio si distingue per una scrittura architettonica che lavora per sottrazione, equilibrio e intensità silenziosa. Non c’è mai compiacimento decorativo: c’è piuttosto la volontà di restituire agli spazi una misura nuova, capace di far convivere il carattere originario dei luoghi con le esigenze dell’abitare contemporaneo. Anche per questo il loro nome è oggi tra quelli che raccontano meglio una certa idea di architettura palermitana, colta ma non rigida, raffinata ma ancora profondamente legata al Mediterraneo.

INO PIAZZA Studio Architettura

Tra gli studi di architettura a Palermo che lavorano con maggiore continuità sul rapporto tra interior, abitare e identità dello spazio, INO PIAZZA Studio Architettura occupa una posizione riconoscibile. Con sede a Palermo, lo studio guidato da Ino Piazza sviluppa una pratica che attraversa appartamenti e ville, showroom e allestimenti, edifici e concorsi, mantenendo come asse costante una progettazione attenta alla relazione tra forme, materia e paesaggio. Più che inseguire l’effetto, il suo lavoro sembra muoversi verso una composizione essenziale, costruita per equilibri e per sottrazione, in cui lo spazio viene ripensato come organismo coerente e non come semplice somma di elementi.

A Palermo questa sensibilità si ritrova in diversi interventi sull’abitare, come Casa Cosentino, Casa Cricchio, Casa Costa, Casa Prestigiacomo, Casa Ferro e Casa Torregrossa, accanto a progetti come Villa D, che restituiscono bene una pratica progettuale concentrata sulla trasformazione degli interni e sulla costruzione di ambienti fortemente caratterizzati ma mai eccessivi. In una città come Palermo, dove il progetto si confronta continuamente con la memoria degli spazi e con una forte presenza della luce, INO PIAZZA Studio Architettura si distingue per un approccio che tende a ricondurre il disegno a una misura precisa, sensibile e molto personale.

Studio 4E

Tra gli studi di architettura a Palermo che hanno costruito nel tempo una presenza solida e riconoscibile, Studio 4E occupa un posto importante per continuità, chiarezza del profilo e capacità di muoversi tra residenziale, commerciale, paesaggio e interior design. Fondato a Palermo dagli architetti Fabio Costanzo e Maria Rosaria Piazza, lo studio lavora da anni su una progettazione attenta al dettaglio e alla relazione tra architettura, spazio vissuto e qualità della trasformazione.

Il suo campo d’azione è ampio ma coerente: nel portfolio compaiono infatti progetti residenziali, commerciali, di giardino e concorso, segno di una pratica che non si limita a un solo ambito ma mantiene un interesse costante per il modo in cui lo spazio viene costruito, rinnovato e abitato. Anche interventi come Voga Garden Restaurant, restituiscono bene questa attitudine a un progetto che tiene insieme concept, interni e qualità dell’atmosfera. In una città come Palermo, dove l’architettura contemporanea deve spesso misurarsi con contesti complessi e identità forti, Studio 4E si distingue per un approccio concreto, misurato e capace di dare continuità al rapporto tra eleganza, uso e trasformazione.

Luigi Smecca Architetti

Tra gli studi di architettura a Palermo che hanno costruito una presenza riconoscibile sul terreno dell’abitare contemporaneo e del progetto per l’ospitalità, Luigi Smecca Architetti occupa un posto ben definito. Lo studio lavora in particolare tra home design e ho.re.ca., due ambiti che ne hanno modellato con chiarezza l’identità: da una parte il progetto domestico, dall’altra gli spazi della convivialità, della ristorazione e dell’accoglienza. È una traiettoria che si legge bene anche nei lavori firmati dallo studio, dove la cura dell’interno non si risolve mai in un fatto meramente decorativo, ma diventa costruzione coerente di atmosfera, uso e carattere.

A Palermo e nel suo contesto più vicino, questa attitudine emerge in progetti come Casa AE a Mondello, ristrutturazione di una villa anni Ottanta riletta in chiave più essenziale e contemporanea, ma anche in interventi come HIO Oriental Bar, I Pupi, La Cuba, Bar Galatea, Dasdia Showroom e Casale Marraffa, che restituiscono l’immagine di una pratica capace di muoversi con naturalezza tra residenziale e spazi commerciali. In una città come Palermo, dove il progetto degli interni e il rapporto con l’identità dei luoghi contano quanto la costruzione architettonica in senso stretto, Luigi Smecca Architetti si distingue per una scrittura progettuale nitida, attenta al dettaglio e molto concentrata sulla qualità dell’esperienza spaziale.

AM3 Studio

Tra gli studi di architettura a Palermo che negli ultimi anni hanno consolidato un profilo particolarmente credibile sul terreno del progetto contemporaneo, AM3 Studio occupa una posizione di rilievo. Fondato nel 2011 da Marco Alesi, Cristina Calì e Alberto Cusumano, lo studio lavora tra architettura e paesaggio, ambito pubblico e privato, con una pratica che si misura spesso con contesti storici, archeologici e paesaggistici. È proprio questa attenzione al rapporto tra luogo, trasformazione e qualità del disegno a definire il carattere di AM3, oggi tra le realtà palermitane più interessanti per continuità e maturità progettuale.

La traiettoria dello studio si legge bene anche attraverso alcuni progetti significativi, come la riqualificazione del lungomare di Balestrate, il progetto per la nuova sede della Regione Siciliana a Palermo e altri interventi che mostrano una chiara attitudine a lavorare sul confine tra architettura, spazio pubblico e paesaggio. A rafforzarne il profilo c’è anche un percorso di riconoscimento più ampio: AM3 è stato selezionato per il Padiglione Italia alla Biennale di Venezia ed è stato protagonista nel 2025 della rassegna Emergenti | Studi d’architettura promossa dalla Fondazione Architetti Firenze. In questo senso, AM3 Studio rappresenta bene una generazione di studi palermitani capaci di confrontarsi con temi complessi senza perdere rigore, misura e capacità di visione.

Studio Forward

Tra gli studi di architettura a Palermo che si muovono con maggiore libertà tra progetto, interni e costruzione dell’identità visiva, Studio Forward occupa una posizione particolare. Fondato da Diego Emanuele nel 2004, lo studio lavora infatti sul punto di contatto tra architettura e comunicazione, due ambiti che qui non procedono separati ma si alimentano a vicenda. È una postura progettuale piuttosto rara, che consente allo studio di intervenire non solo sugli spazi, ma anche sul modo in cui essi vengono raccontati, percepiti e resi riconoscibili.

Questa doppia vocazione si ritrova bene in progetti come Vinoveritas, wine bar e spazio dedicato al vino, Magnisi Studio, Generazione Alessandro a Linguaglossa, e nelle diverse operazioni che intrecciano architettura, allestimento, art direction e immagine. In una città come Palermo, dove il progetto contemporaneo passa sempre più spesso anche attraverso il rapporto tra spazio e narrazione, Studio Forward si distingue per un approccio trasversale e colto, capace di lavorare sull’atmosfera quanto sulla struttura, sul dettaglio quanto sull’identità complessiva dei luoghi.

La Leta Architettura

Tra gli studi di architettura a Palermo che negli ultimi anni hanno saputo costruire una presenza particolarmente riconoscibile sul terreno dell’abitare contemporaneo, La Leta Architettura occupa un posto di rilievo. Con sede a Palermo, lo studio lavora tra progettazione architettonica e architettura degli interni, soprattutto in ambito residenziale e ricettivo, e ha affinato una scrittura progettuale fondata su equilibrio, misura e sensibilità verso il contesto. È un approccio che si avverte bene in interventi come Pied-à-terre, Settimo Boutique Apartment, Loft in Centro Storico, Villa C e Casa Daniel, dove la trasformazione dello spazio passa attraverso una rilettura attenta dell’esistente, dei materiali e della luce.

In una città come Palermo, dove l’architettura domestica è spesso chiamata a confrontarsi con edifici storici, affacci urbani complessi e memorie stratificate, La Leta Architettura si distingue per la capacità di intervenire con leggerezza senza perdere incisività. I suoi progetti non inseguono mai un effetto dimostrativo: lavorano piuttosto su una precisione silenziosa, su atmosfere calibrate, su una contemporaneità che non cancella il carattere dei luoghi ma lo accompagna verso un nuovo equilibrio.

SS Studio

Tra le realtà palermitane più interessanti nel punto di contatto tra architettura, interni e design, SS Studio ha costruito una pratica trasversale ma coerente, capace di muoversi tra progettazione architettonica, restauro, interventi sull’esistente, interior design, graphic design e arredo su misura. Con sede a Palermo e guidato da Stefano Sanfilippo, lo studio lavora su programmi differenti mantenendo come elemento costante una forte attenzione al disegno complessivo dello spazio e alla definizione dell’atmosfera. È una postura progettuale che si ritrova in lavori come Gold, affittacamere di lusso a Palermo, oppure nella linea di arredamento BLISS, presentata a Homi Milano e durante la Milano Design Week, che mostra bene come per SS Studio il progetto si estenda spesso oltre il solo involucro architettonico.

In una città come Palermo, dove il progetto contemporaneo si gioca spesso sul rapporto tra identità del luogo e qualità dell’interno, SS Studio si distingue per una scrittura che cerca coerenza più che spettacolo. Il suo lavoro appare costruito attorno a una idea di spazio in cui architettura, arredo e immagine non sono elementi separati, ma parti di una stessa visione, capace di dare forma a luoghi riconoscibili, curati e mai casuali.

Studio GD Architetture

Nel panorama degli studi di architettura a Palermo più attenti al rapporto tra interni, abitare e progetto contemporaneo, Studio GD Architetture si distingue per una pratica che attraversa housing, retail, spazi ricettivi e luoghi di lavoro, mantenendo una particolare attenzione alla qualità dell’esperienza spaziale. Nato nel 2008 e diretto dall’architetto Gaspare Di Maggio, lo studio si definisce come un laboratorio di progettazione attivo tra strutture pubbliche e private, interior e retail design, ristorazione, hospitality e sostenibilità. È una traiettoria che restituisce l’immagine di una realtà capace di lavorare su programmi diversi senza disperdere il proprio profilo.

Questa attitudine emerge anche nei progetti più recenti, come Casa Messina 2025 a Palermo, presentata come ristrutturazione totale di un appartamento, o nelle collaborazioni legate al mondo del bagno e delle superfici, che mostrano una particolare sensibilità verso la materia e il dettaglio. In una città come Palermo, dove il progetto degli interni e la trasformazione dell’esistente hanno un peso sempre più rilevante, Studio GD Architetture si distingue per un approccio concreto, attento alla qualità d’uso e capace di costruire spazi contemporanei senza perdere misura.

FORME Studio di Architettura

Nel panorama degli studi di architettura a Palermo più legati alla dimensione dell’interior e della trasformazione dell’abitare, FORME Studio di Architettura si distingue per un approccio che mette al centro il rapporto tra funzione, atmosfera e qualità dell’esperienza spaziale. Con sede a Palermo, lo studio lavora tra architettura e interior design, seguendo non solo il progetto ma anche la direzione cantiere e le pratiche edilizie, con una particolare attenzione alla continuità tra idea, processo e realizzazione. È una postura concreta, che restituisce l’immagine di una realtà costruita più sul controllo del lavoro che sull’effetto.

Anche nei progetti più recenti emerge una sensibilità orientata alla ridefinizione degli spazi attraverso materiali, luce e misura, come nel caso dell’ufficio disegnato con il contributo di Karim Rashid, oppure negli interventi su residenze e coperture storiche mostrati dallo studio. In una città come Palermo, dove l’architettura contemporanea passa spesso attraverso il ripensamento dell’esistente e la qualità degli interni, FORME si distingue per una progettazione che cerca equilibrio, coerenza e una contemporaneità mai ostentata.

de Francisci Architetti

Tra gli studi di architettura a Palermo che lavorano con particolare attenzione sul rapporto tra interni, luce e trasformazione dell’esistente, de Francisci Architetti si distingue per una pratica misurata, concentrata sulla qualità dell’abitare e sulla costruzione di atmosfere nette ma mai ridondanti. Con base a Palermo, lo studio si muove soprattutto tra interior design, ristrutturazione e lighting, ambiti che nel suo lavoro non appaiono separati ma tenuti insieme da una stessa idea di progetto: precisa, essenziale, molto attenta al modo in cui lo spazio viene percepito e vissuto.

Questa sensibilità emerge bene in interventi come Casa PCC, realizzata in collaborazione con Farina Macaluso Architects, dove il progetto lavora sulla memoria della casa esistente senza rinunciare a una rilettura contemporanea, oppure nei più recenti lavori residenziali pubblicati dallo studio, come Casa a San Vito, che insistono sul rapporto tra interno ed esterno, luce naturale e qualità del quotidiano. In una città come Palermo, dove il progetto domestico si confronta spesso con spazi da reinterpretare più che da inventare ex novo, de Francisci Architetti si distingue per una scrittura sobria, controllata e capace di dare continuità tra dettaglio, comfort e identità del luogo.

Bellomonte & Pensabene

Tra gli studi di architettura a Palermo che si muovono con maggiore continuità tra progetto contemporaneo, interior design e riqualificazione, Bellomonte & Pensabene occupa una posizione interessante per la chiarezza del profilo e per la qualità visiva con cui costruisce i propri interventi. Con sede a Palermo, lo studio lavora su spazi residenziali, commerciali e ricettivi, mantenendo una particolare attenzione alla relazione tra materiali, luce e definizione dell’atmosfera. È un approccio che punta meno sull’enfasi del gesto e più su una calibrata costruzione dell’esperienza spaziale, con ambienti pensati per risultare coerenti, leggibili e durevoli.

Nel contesto palermitano, dove il progetto si misura spesso con edifici esistenti, interni da reinterpretare e identità forti, Bellomonte & Pensabene si distingue per una pratica che sembra cercare equilibrio e nitidezza. I progetti e i contenuti pubblici dello studio restituiscono infatti una sensibilità orientata a una contemporaneità composta, capace di valorizzare lo spazio senza sovraccaricarlo. In una mappa come questa, il loro nome entra proprio per questa attitudine: quella di uno studio che lavora sulla qualità del progetto con misura, continuità e una presenza ormai riconoscibile nella scena architettonica palermitana.

Salvatore Nigrelli Architetto

Tra gli studi di architettura a Palermo che lavorano con particolare continuità sul rapporto tra architettura, interni e allestimento, Salvatore Nigrelli Architetto occupa una posizione riconoscibile per la varietà dei progetti affrontati e per una pratica che tiene insieme spazio, luce e costruzione dell’atmosfera. Con sede nel cuore storico della città, a Palazzo Castrone Santa Ninfa in corso Vittorio Emanuele, lo studio si muove tra residenziale, hospitality, exhibit design e riqualificazione, mantenendo una forte attenzione al carattere dei luoghi e alla qualità percettiva degli ambienti.

Questa attitudine emerge bene in lavori come Casena dei Colli a Palermo, Villa Esse, Villa Cari, gli stand per Mandrarossa e Baglio di Pianetto a Vinitaly, fino ai progetti più recenti del Museo Ayrton Senna a Siculiana e della riqualificazione urbana di Palazzo Adriano. Più che affidarsi a una cifra formale rigida, il lavoro di Nigrelli sembra costruirsi per continuità tra progetto architettonico, allestimento e percezione dello spazio, con una sensibilità che a Palermo trova un terreno particolarmente fertile: quello di una città in cui la stratificazione dei luoghi richiede sempre misura, lettura del contesto e capacità di trasformazione.

PM Architecture / Piergiorgio Miserendino

Tra gli studi di architettura a Palermo che lavorano con particolare attenzione sul progetto domestico e sulla trasformazione degli interni, PM Architecture, fondato da Piergiorgio Miserendino nel 2003, occupa una posizione riconoscibile per continuità e chiarezza di linguaggio. Lo studio si muove tra edilizia residenziale privata, opere commerciali, strutture ricettive e design industriale, seguendo il progetto lungo tutto il suo sviluppo, dall’idea iniziale al cantiere. È una traiettoria che restituisce l’immagine di una pratica molto concentrata sulla qualità dell’abitare, sulla precisione del dettaglio e sulla capacità di dare nuova coerenza a spazi già esistenti.

Questa sensibilità emerge bene in lavori come Casa B, ristrutturazione di un appartamento all’interno di una palazzina residenziale nel centro storico di Palermo con impianto originario ottocentesco, oppure in progetti come Casa C+R e Casa B+M, dove il ridisegno degli interni passa attraverso un uso calibrato di materiali, luce e arredo. In una città come Palermo, dove il progetto contemporaneo si confronta spesso con immobili da reinterpretare più che con spazi da costruire ex novo, PM Architecture si distingue per un approccio misurato, attento al comfort e capace di costruire ambienti nitidi, eleganti e molto leggibili.

PL5 Architettura

Tra gli studi di architettura a Palermo che hanno lavorato con maggiore continuità sul tema del restauro e della rifunzionalizzazione del centro storico, PL5 Architettura occupa una posizione particolarmente significativa. Fondato nel 1974 da Giulio Franzitta e Rita Franzitta, lo studio ha costruito nel tempo una pratica fortemente radicata nella città, concentrandosi sulla riqualificazione di edifici storici, palazzi, complessi residenziali e tessuti urbani segnati dalla lunga stratificazione palermitana. In questo senso, il suo lavoro intercetta una questione centrale per Palermo: quella di una città in cui il progetto contemporaneo passa spesso attraverso il recupero, il ripristino e la rifunzionalizzazione di ciò che esiste già.

Questa traiettoria emerge con chiarezza in una lunga serie di interventi nel centro storico, come il restauro del Palazzo del Principe di Lampedusa, il Palazzo Rammacca in via Garraffello, il palazzo di via Materassai, il palazzetto medievale in via Argenteria, il progetto di riuso di un complesso di archeologia industriale in via dello Spasimo, fino al restauro e rifunzionalizzazione di Villa Bonocore-Maletto e al progetto per Palazzo Florio a Favignana. Più che attraverso un gesto autoriale esibito, PL5 ha costruito la propria identità sulla durata, sul lavoro paziente dentro l’esistente e su una conoscenza concreta della città storica, qualità che lo rendono uno dei nomi più coerenti quando si parla di architettura a Palermo.

Cannone Architetti

Tra gli studi di architettura a Palermo che lavorano sul rapporto tra progetto, contesto e trasformazione, Cannone Architetti si distingue per una pratica che tiene insieme architettura e ingegneria con una particolare attenzione al legame tra intervento e luogo. Fondata nel 2012 da Francesco, Giuseppe e Fabio Cannone, la società lavora a Palermo sviluppando progetti in cui il disegno architettonico si confronta con il contesto nelle sue diverse componenti, mantenendo una visione progettuale attenta alla coerenza tra spazio, funzione e ambiente.

La traiettoria dello studio si legge bene in progetti che attraversano ambiti diversi, dalla riqualificazione dello spazio aperto agli interventi di scala urbana, fino ai lavori di architettura e interior. Più che affidarsi a una cifra formale rigida, Cannone Architetti sembra costruire il progetto come dispositivo di relazione tra luogo, uso e trasformazione, con una sensibilità che guarda alla continuità tra architettura e contesto. È proprio questa capacità di tenere insieme visione territoriale e precisione progettuale a rendere lo studio uno dei nomi da osservare con attenzione dentro il panorama contemporaneo palermitano.

Studio MAMe / Marzia Messina

Tra gli studi di architettura a Palermo più attenti alla dimensione sartoriale del progetto domestico, Studio MAMe, fondato da Marzia Messina nel 2005, occupa una posizione riconoscibile per la cura del dettaglio, per il disegno su misura e per una concezione dell’abitare costruita attorno a materiali, luce e qualità dell’esperienza quotidiana. Dopo esperienze tra Londra, Verona e Vicenza, Messina ha riportato a Palermo una pratica progettuale che tiene insieme precisione esecutiva, sensibilità per gli interni e attenzione artigianale, lavorando soprattutto su residenze, ville e locali commerciali.

Questa attitudine emerge con chiarezza in progetti come Casa VS, Casa GOH, Casa 2 Palme, Duo di Ville a Mondello, Casa su misura LLP e Cafè Lab Gallery a Palermo, interventi che restituiscono bene una scrittura progettuale concentrata sulla qualità dell’abitare e sul rapporto tra misura, comfort e identità dello spazio. In una città come Palermo, dove l’architettura domestica è spesso chiamata a rileggere immobili esistenti senza impoverirne il carattere, Studio MAMe si distingue per una contemporaneità elegante, calibrata e profondamente legata al fare progettuale come gesto di precisione.

Architetti Fazioli Associati

Tra gli studi di architettura a Palermo che hanno costruito nel tempo una presenza riconoscibile sul terreno della progettazione e dell’interior, Architetti Fazioli Associati occupa una posizione interessante per continuità e profilo professionale. Lo studio, con sede a Palermo, si presenta come realtà attiva tra architettura e design, con una pratica che attraversa il progetto dello spazio abitato e la trasformazione degli interni mantenendo una forte attenzione alla qualità compositiva e alla definizione dell’atmosfera.

In una città come Palermo, dove il progetto contemporaneo si misura spesso con spazi da reinterpretare più che con edifici da costruire ex novo, Architetti Fazioli Associati si colloca dentro quella fascia di studi che lavorano sulla precisione dell’intervento, sul rapporto tra misura e carattere e su una idea di abitare capace di aggiornare l’esistente senza impoverirlo. La presenza pubblica dello studio restituisce proprio questa impressione: quella di una pratica progettuale orientata a una contemporaneità composta, attenta al dettaglio e alla coerenza complessiva dello spazio.

Ruffino Associati

Tra gli studi di architettura a Palermo che hanno costruito una traiettoria riconoscibile sul terreno del recupero e della trasformazione di luoghi ad alta densità identitaria, Ruffino Associati occupa una posizione particolare. Lo studio, attivo a Palermo dal 2002, lavora tra architettura e design e ha firmato oltre 500 progetti, costruendo un profilo che tiene insieme residenziale, hospitality e interventi di riqualificazione in contesti fortemente caratterizzati.

Il nome di Ruffino Associati si lega in modo diretto alla rinascita della Camparìa di Favignana, progetto di restauro e recupero del complesso storico che ha restituito nuova vita a uno dei luoghi più simbolici dell’isola. L’intervento è stato raccontato come un lavoro improntato alla sostenibilità e al rispetto delle tecniche costruttive tradizionali, capace di trasformare la Camparìa in uno spazio contemporaneo senza cancellarne la memoria. Accanto a questo, il portfolio dello studio comprende anche progetti come Dimora Cala del Pozzo a Favignana, Altamora Etna e Palazzo T a Trapani, che confermano una pratica progettuale attenta al rapporto tra architettura, paesaggio e identità dei luoghi.

In una mappa degli studi di architettura a Palermo, Ruffino Associati trova posto proprio per questa capacità di lavorare sull’esistente con misura e continuità, restituendo agli spazi una nuova funzione senza impoverirne il carattere. Più che inseguire effetti formali, il loro progetto sembra concentrarsi sulla costruzione di un equilibrio tra storia, uso contemporaneo e qualità dell’esperienza spaziale.

vid’A – Visioni d’Architettura

Tra le realtà più recenti che si muovono nel campo dell’architettura contemporanea in Sicilia occidentale, vid’A – Visioni d’Architettura merita attenzione per un approccio che intreccia ristrutturazioni, progettazione di interni, nuove costruzioni e spazi commerciali. Il gruppo opera tra Menfi e il territorio palermitano, proponendo una pratica progettuale orientata alla personalizzazione degli interventi e alla continuità tra concept, sviluppo tecnico e direzione dei lavori. In una mappa come questa, vid’A entra non tanto per un profilo già storicizzato, quanto per la chiarezza con cui interpreta un’idea di architettura contemporanea legata al progetto su misura, alla trasformazione dello spazio abitato e a una sensibilità che cerca di coniugare identità locale, innovazione e qualità esecutiva.

SLC architects

Tra gli studi che operano nell’area palermitana con una pratica strutturata e continua, SLC architects occupa una posizione riconoscibile per la capacità di muoversi tra residenziale, commerciale, produttivo e urbanistico mantenendo una particolare attenzione al rapporto con il paesaggio e alla precisione del disegno. Nato a Palermo nel 2001 e oggi attivo a Misilmeri, lo studio guidato da Salvatore Lo Cascio ha costruito nel tempo un profilo che tiene insieme esperienza urbanistica e progettazione edilizia, con un linguaggio netto, controllato, molto attento alla relazione tra architettura e contesto. Questa attitudine emerge bene in progetti come Villa LM, nei pressi di Mondello, dove il bianco della costruzione e il disegno degli sbalzi lavorano in rapporto diretto con il paesaggio di Castelforte, oppure in Casa M a Misilmeri, pensata per assecondare la topografia del sito e costruire un dialogo continuo tra spazio domestico e valle dell’Eleuterio. In una selezione dedicata agli studi di architettura a Palermo, SLC architects trova posto proprio per questa capacità di tenere insieme scala edilizia, visione territoriale e qualità dell’abitare contemporaneo.

Piazza Architettura

Tra gli studi di architettura a Palermo che negli ultimi anni hanno costruito un profilo particolarmente interessante sul terreno del progetto contemporaneo, Piazza Architettura occupa una posizione riconoscibile per chiarezza di visione e qualità del lavoro. Con sede a Palermo, lo studio guidato da Nicola e Giulia Piazza lavora tra opere pubbliche e private, restauro, interior design, urbanistica e paesaggio, tenendo insieme attenzione al contesto, sostenibilità, studio del dettaglio e sensibilità verso i materiali. È una pratica progettuale che non si limita alla scala dell’edificio, ma si misura con questioni più ampie, legate al rapporto tra costruito, città e territorio.

A dare forza al profilo dello studio è anche un percorso segnato da risultati importanti nei concorsi di architettura, come il primo premio nel 2022 per l’Istituto scolastico Ugo Foscolo di Canicattì, la vittoria nel 2023 per la riqualificazione del sito archeologico e del Teatro greco di Eraclea Minoa insieme a Francesco Cellini, e il primo premio per la nuova costruzione di auditorium e campi sportivi per una scuola a Bagheria. In una mappa degli studi di architettura a Palermo, Piazza Architettura trova posto proprio per questa capacità di tenere insieme ricerca, spazio pubblico, paesaggio e progetto, con un linguaggio misurato ma già molto leggibile.

Puccio Collodoro Architetti

Tra gli studi di architettura a Palermo che negli ultimi anni hanno costruito un profilo particolarmente riconoscibile, Puccio Collodoro Architetti occupa una posizione interessante per la capacità di muoversi tra architettura, interior design, comunicazione visiva e progetto urbano mantenendo una forte coerenza di linguaggio. Con base a Palermo e Gela, lo studio fondato da Gianluca Puccio e Andrea Collodoro lavora su scale diverse, dal paesaggio agli interni, con un approccio che tiene insieme ricerca, sperimentazione e qualità dell’esperienza spaziale. Questa attitudine emerge bene in progetti come Dimora del Capo, intervento residenziale nel cuore di Palermo, nello Studio Medico Ferro e in altre trasformazioni dell’abitare contemporaneo, dove il progetto lavora sulla luce, sulla misura e sulla ridefinizione dello spazio senza perdere intensità. In una mappa degli studi di architettura a Palermo, Puccio Collodoro Architetti trova posto proprio per questa capacità di coniugare identità visiva, precisione progettuale e una sensibilità contemporanea già molto leggibile.

L'articolo Migliori studi di architettura a Palermo: 25 nomi da conoscere oggi tra identità mediterranea, progetto contemporaneo e trasformazione dell’esistente proviene da Archi & Interiors.

Quando si parla di architettura di interni e interior design, infatti, la qualità di un ambiente passa anche dalla sua rappresentazione. Un bravo fotografo non si limita a registrare ciò che ha davanti: costruisce una lettura, mette in evidenza il carattere dello spazio, restituisce il rapporto tra superfici, arredi, dettagli e luce naturale, e rende più leggibile l’identità del progetto. È anche grazie a questo sguardo se un interno contemporaneo riesce davvero a comunicare la propria visione dell’abitare.

Per questo i fotografi italiani di architettura di interni svolgono oggi un ruolo decisivo nella cultura del progetto. Collaborano con architetti, interior designer, brand, strutture hospitality e riviste di settore, contribuendo a costruire un racconto visivo dell’abitare contemporaneo che tiene insieme rigore, sensibilità e qualità editoriale. In un tempo in cui l’immagine è parte integrante della comunicazione dell’architettura, il loro lavoro non accompagna semplicemente il progetto: ne definisce anche la percezione.

In questa guida abbiamo raccolto 26 fotografi italiani da conoscere e seguire, selezionati per la coerenza del loro linguaggio visivo, per la qualità delle immagini e per la capacità di raccontare con precisione gli spazi interni contemporanei. Non si tratta di una classifica, ma di una selezione editoriale che attraversa case private, hotel, retail, residenze d’autore e ambienti progettati, mettendo in evidenza alcuni dei nomi più interessanti nel panorama italiano della fotografia di architettura e dell’interior design contemporaneo.

Perché la fotografia di architettura di interni è così importante oggi

La fotografia, sempre più spesso, è parte integrante del modo in cui uno spazio viene percepito, ricordato, pubblicato e condiviso. Un interno può essere risolto con grande intelligenza dal punto di vista progettuale, ma è attraverso le immagini che entra davvero nel dibattito visivo del suo tempo e diventa leggibile per architetti, interior designer, brand, riviste e pubblico.

Questo è particolarmente vero nell’architettura di interni, dove la qualità dello spazio si gioca su equilibri sottili: la luce naturale, il dialogo tra materiali, il rapporto tra pieni e vuoti, la relazione tra funzione e atmosfera, la coerenza tra struttura, arredi e dettagli. La fotografia di interni ha il compito di rendere visibili proprio questi aspetti, trasformando uno spazio costruito in un racconto capace di restituirne identità, carattere e intenzione progettuale.

Per questo il fotografo non è mai un osservatore neutro. Attraverso l’inquadratura, il ritmo della composizione, la gestione della luce e la lettura delle superfici, costruisce una vera interpretazione del progetto. È anche grazie a questo sguardo se un ambiente contemporaneo riesce a esprimere fino in fondo la propria qualità e a trovare posto nell’immaginario dell’abitare contemporaneo.

In un contesto in cui la comunicazione visiva è sempre più centrale, i fotografi italiani di architettura di interni svolgono quindi un ruolo decisivo. Non si limitano a mostrare gli spazi: contribuiscono a definirne la percezione culturale, editoriale e professionale. Ed è proprio per questo che conoscere i nomi più interessanti della fotografia di architettura e dell’interior design contemporaneo significa capire meglio anche come sta cambiando il modo in cui guardiamo, raccontiamo e immaginiamo gli interni oggi.

26 fotografi di interior design da tenere d’occhio oggi

Carlo Oriente

Carlo Oriente, fotografo con base a Napoli, lavora sul racconto dell’architettura e degli interni con uno sguardo pulito, misurato, molto attento alla leggibilità dello spazio. Nelle sue immagini la casa non viene mai forzata: luce, distribuzione, materiali e atmosfera restano centrali, con una resa sobria ma mai fredda.

Tra i lavori che raccontano bene il suo approccio ci sono Casa Kaleido, Milano Private House e Casa Spezia Matriscia. In Casa Kaleido, progetto di area dieci pubblicato nel 2025, la fotografia accompagna con equilibrio il lavoro su colore, ritmo e dimensione domestica, restituendo un interno chiaro, riconoscibile e mai artificiale.

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Paolo Fusco

Paolo Fusco fotografa l’architettura di interni con rigore e precisione, ma senza irrigidire lo spazio. Il suo linguaggio visivo mette ordine, chiarisce i rapporti tra i pieni e i vuoti, segue la luce e lascia emergere con naturalezza la struttura dell’ambiente.

Un progetto che sintetizza bene il suo modo di guardare è VDS House, appartamento romano di 130 mq ristrutturato da 02A Studio. Qui la fotografia restituisce con grande chiarezza il rapporto tra materiali, luce e impianto distributivo, accompagnando il progetto con misura e mantenendo intatta la complessità dell’interno.

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Filippo Bamberghi

Filippo Bamberghi si muove tra architettura, interior, still life e portrait, ma nel racconto degli interni emerge soprattutto per la qualità del suo sguardo editoriale. Le sue immagini non si limitano a descrivere uno spazio: ne costruiscono il tono, la profondità, la presenza visiva.

Nel suo lavoro architettura e atmosfera restano sempre in equilibrio. Gli ambienti risultano leggibili, ma anche narrativi, mai semplicemente documentati. È una fotografia che sa tenere insieme composizione, luce e identità dello spazio, con una sensibilità molto adatta al racconto contemporaneo dell’abitare.

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Max Pescio

Max Pescio firma immagini di interni con un taglio elegante e molto editoriale, particolarmente efficace quando lo spazio mette insieme epoche, arredi contemporanei, dettagli decorativi e una forte identità domestica. Il suo sguardo non cerca l’effetto, ma costruisce una lettura ordinata e precisa dell’ambiente.

Lo si vede bene in alcuni appartamenti milanesi di forte carattere, tra cui una casa di 100 mq con cucina in acciaio e un interno dal gusto classico contemporaneo nelle Cinque Vie. In questi progetti la fotografia accompagna lo spazio con discrezione, lasciando emergere atmosfera, stratificazione e qualità del progetto.

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Davide Galli

Davide Galli lavora sulla fotografia di architettura e interni con un’impostazione essenziale, controllata, molto concentrata sulla resa dello spazio costruito. Il suo stile punta sulla chiarezza della composizione, sulla pulizia formale e su una gestione della luce che valorizza l’ambiente senza teatralizzarlo.

Nelle sue immagini l’abitare contemporaneo viene restituito con rigore e misura. Superfici, volumi e relazioni tra gli elementi restano sempre leggibili, in una fotografia che non invade il progetto ma lo accompagna con precisione. Il risultato è uno sguardo sobrio, nitido e molto adatto al racconto degli interni.

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Simone Bossi

Simone Bossi porta con sé uno sguardo più autoriale, sostenuto da una base culturale molto solida. La sua formazione in architettura, maturata tra Siviglia e il Politecnico di Milano prima del passaggio definitivo alla fotografia, si riconosce in immagini che lavorano con grande sensibilità su luce, geometria, vuoto e costruzione dell’inquadratura.

Nel suo lavoro l’interno non viene mai semplicemente registrato: viene interpretato attraverso una fotografia che dà peso alle proporzioni, alle pause, alla materia e al rapporto tra spazio e visione. Anche quando non si muove in un territorio strettamente domestico, il suo sguardo resta molto utile per capire come la fotografia possa restituire all’architettura profondità, misura e qualità editoriale.

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Vito Corvasce

Vito Corvasce lavora sulla fotografia di interni con un’impostazione molto chiara, precisa, fortemente concentrata sulla lettura dello spazio. Il suo linguaggio visivo si muove con equilibrio tra superfici, luce e composizione, costruendo immagini pulite ma mai impersonali, capaci di restituire il carattere dell’ambiente senza appesantirlo.

Questa attitudine emerge bene anche in progetti recenti come Apartment inside a Medieval Tower di CMTarchitetti a Siena, dove la fotografia accompagna il rapporto tra preesistenza, restauro e abitare contemporaneo con grande misura. Il suo sguardo è particolarmente efficace quando l’interno richiede rigore, chiarezza e una resa nitida delle relazioni tra architettura, materiali e atmosfera.

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Stefano Scatà

Stefano Scatà fotografa gli interni con uno sguardo che incrocia architettura, hospitality e cultura dell’accoglienza. Il suo lavoro si riconosce per una capacità molto naturale di raccontare ambienti in cui spazio, esperienza e atmosfera convivono, senza separare mai il progetto dalla sua dimensione sensoriale.

Questa continuità si vede bene in lavori come Portolan House, Hotel Santa Caterina ad Amalfi e in numerosi altri progetti legati all’interior e all’ospitalità. Le sue immagini allargano il racconto degli interni oltre la sola casa privata e lo portano dentro un immaginario più ampio, fatto di lifestyle, comfort, identità dei luoghi e qualità dell’esperienza abitativa.

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Alba Deangelis

Alba Deangelis lavora tra architettura, interni e design photography con uno sguardo misurato, analitico, molto attento alla costruzione dello spazio. Anche nel suo caso la formazione in architettura al Politecnico di Milano aiuta a leggere meglio il suo approccio: nelle immagini si avverte una particolare precisione nel rapporto tra ambiente costruito, dettagli e percezione visiva.

Il suo lavoro si muove con naturalezza tra showroom, case, installazioni e spazi d’autore, mantenendo sempre una notevole chiarezza compositiva. La fotografia non cerca di imporsi sul progetto, ma di restituirne struttura, ritmo e identità, con una sensibilità che rende leggibili gli interni senza renderli mai freddi o astratti.

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Alessio Guarino

Alessio Guarino lavora sulla fotografia di architettura e interni con uno sguardo che tiene insieme rigore visivo e attenzione per la dimensione culturale dello spazio. I progetti che accompagnano il suo percorso, dalla Biblioteca Arturo Graf di Torino al The Olivetti Showroom di Carlo Scarpa a Venezia, fino a House/A.L.X, mostrano una pratica che attraversa l’interno non solo come ambiente da rappresentare, ma come esperienza da interpretare.

Nelle sue immagini si avverte una particolare attenzione alla composizione, alla luce e al peso architettonico dei luoghi. È una fotografia che non si ferma alla superficie decorativa, ma cerca il senso dello spazio progettato, mettendo in relazione struttura, atmosfera e memoria.

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Matteo Triola

Matteo Triola lavora a Milano e il suo percorso si muove con chiarezza tra architecture, interior ed exhibition. Il suo sguardo tiene insieme fotografia di interni, design e una sensibilità visiva più autoriale, capace di leggere lo spazio progettato non solo nella sua funzione, ma anche nella sua costruzione formale e narrativa.

Nelle sue immagini l’interno viene restituito con precisione, ma senza rigidità. C’è attenzione alla composizione, al ritmo dei volumi, al rapporto tra oggetti, superfici e luce. Il risultato è una fotografia che funziona bene sia quando racconta la dimensione domestica sia quando si confronta con ambienti più legati al design e alla cultura del progetto.

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Chiara Quadri

Chiara Quadri firma immagini di interni con uno sguardo nitido, attento, molto efficace quando lo spazio si costruisce attraverso colori, texture e dettagli capaci di definire l’identità della casa. Il suo lavoro emerge anche in ambito editoriale, dove accompagna ambienti residenziali con una fotografia chiara, ordinata e molto leggibile.

Lo si vede bene in un appartamento di 70 mq a Milano pubblicato nel 2025, dove il racconto visivo si concentra sulla relazione tra materia, palette e atmosfera domestica. La sua fotografia segue l’interno con discrezione, senza appesantirlo, e restituisce bene quella dimensione contemporanea dell’abitare fatta di equilibrio, carattere e cura dei dettagli.

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Mattia Iotti

Mattia Iotti si muove in un territorio più ibrido, tra immagine di prodotto, styling editoriale e racconto dello spazio domestico. È un aspetto che si avverte anche nel suo modo di fotografare gli interni, dove la precisione dell’oggetto e la costruzione della scena convivono con una lettura attenta dell’ambiente.

Quando lavora sul mondo della casa, il suo sguardo porta con sé una sensibilità visiva molto costruita, capace di valorizzare materiali, atmosfere e dettagli con un taglio pulito e contemporaneo. La sua presenza funziona bene proprio per questo: allarga il discorso sugli interni verso una zona di confine in cui design, prodotto e spazio dialogano in modo naturale.

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Isabella Magnani

Isabella Magnani lavora sugli interni con una focalizzazione molto chiara. Il suo sguardo si muove tra interiors, art e architecture, con una fotografia che punta a restituire lo spazio in modo diretto, leggibile e visivamente equilibrato.

Il suo lavoro si concentra sulla resa dello spazio contemporaneo con un linguaggio sobrio, ordinato e coerente, capace di valorizzare l’identità del progetto senza sovraccaricarlo.

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Federico Mariani

Federico Mariani lavora sulla fotografia di architettura con un’attenzione precisa per gli interni, l’hospitality e gli spazi commerciali. Il suo approccio è molto legato alla valorizzazione dell’ambiente costruito: ogni immagine cerca chiarezza, equilibrio e una restituzione fedele della qualità dello spazio.

Nel suo lavoro l’interno viene letto attraverso luce, proporzioni e rapporto tra architettura e arredo, con una fotografia pensata per accompagnare studi, cataloghi di design e progetti destinati alla comunicazione professionale. È uno sguardo concreto, pulito, ben calibrato, che funziona bene quando lo spazio chiede ordine visivo e una narrazione sobria ma efficace.

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Nicola Castaldo

Nicola Castaldo lavora in modo molto chiaro sul racconto degli interni legati all’hospitality: hotel di lusso, boutique hotel, resort, B&B, appartamenti, ville, ristoranti e bar. Il suo sguardo è costruito per valorizzare gli spazi attraverso una fotografia capace di unire atmosfera, leggibilità e impatto visivo, con un’attenzione evidente anche alla dimensione comunicativa dell’immagine.

Nelle sue fotografie l’interno non è soltanto descritto, ma costruito come esperienza visiva. Luce, dettagli, materiali e accoglienza entrano in relazione in modo naturale, dando forma a immagini molto adatte a raccontare il mondo dell’ospitalità contemporanea e del lusso discreto. È un approccio che allarga bene il discorso sugli interni oltre il solo ambito domestico.

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Specchi Studio

Specchi Studio, con base a Milano, si muove in un territorio che intreccia fotografia, art direction, set design, interior design e consulenza creativa. Più che limitarsi alla restituzione dello spazio, lavora sulla costruzione dell’immagine nel suo insieme, mettendo in relazione progetto, styling e linguaggio visivo.

Il risultato è una pratica ibrida, molto contemporanea, in cui l’interno viene raccontato non solo come ambiente da fotografare, ma come scena da interpretare e da orchestrare. Questo approccio rende il loro lavoro particolarmente interessante quando lo spazio dialoga con il contenuto visivo, con la direzione artistica e con una narrazione più costruita dell’abitare.

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Helenio Barbetta

Helenio Barbetta, nato a Pescara e oggi basato a Milano, lavora sulla fotografia di architettura e interni con un linguaggio visivo riconoscibile, capace di tenere insieme precisione, atmosfera e forza editoriale. Le sue immagini hanno spesso una presenza molto nitida, ma mai rigida, e riescono a restituire gli spazi contemporanei con grande chiarezza.

Nel suo lavoro la fotografia non si limita a registrare l’ambiente: costruisce tono, profondità e identità dell’immagine. È uno sguardo particolarmente efficace quando l’interno chiede non solo ordine e leggibilità, ma anche una resa più sensibile della luce, dei materiali e del carattere complessivo del progetto.

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Monica Spezia

Monica Spezia si muove tra architettura, interni, hospitality, portrait e food, con un percorso che tiene insieme sensibilità visiva e cultura dell’immagine. Anche la sua formazione, che passa dalla filosofia e dalla regia cinematografica, aiuta a capire un approccio fotografico attento non solo allo spazio, ma anche all’atmosfera, al ritmo e alla costruzione della scena.

Quando lavora sugli interni, il suo sguardo porta con sé questa apertura verso il mondo del design, dell’accoglienza e dell’identità dei brand. Le immagini non si fermano alla descrizione tecnica dell’ambiente, ma cercano una presenza più ampia, capace di mettere in relazione luogo, esperienza e percezione visiva. È una fotografia che dialoga bene con l’hospitality e con il racconto contemporaneo dello spazio vissuto.

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Giulio Ghirardi

Giulio Ghirardi, fotografo e regista basato a Milano, ha una formazione in Architettura al Politecnico di Milano che si riflette con chiarezza nel suo modo di guardare gli spazi. Il suo lavoro si concentra soprattutto su architettura, interni e ritratto, con una sensibilità che conserva qualcosa del linguaggio documentario ma lo porta dentro una costruzione visiva molto controllata.

Nelle sue immagini l’interno viene raccontato con uno sguardo colto, attento alla composizione, alla luce e alla presenza concreta dello spazio. Non c’è mai solo la volontà di mostrare un ambiente, ma quella di restituirne anche il peso visivo e culturale. Il risultato è una fotografia capace di tenere insieme architettura, interior e immaginario contemporaneo con grande naturalezza.

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Nicolò Panzeri

Nicolò Panzeri lavora sulla fotografia di architettura con uno sguardo preciso, controllato, molto attento alla chiarezza dello spazio. Il suo lavoro si muove bene anche nel racconto dell’abitare contemporaneo, come mostrano progetti recenti legati a appartamenti e case, tra cui Isola Apartment e F&V House per Archiplanstudio.

Nelle sue immagini gli interni vengono restituiti con misura, ordine e una buona leggibilità dei rapporti tra luce, volumi e materiali. È una fotografia che accompagna il progetto senza sovraccaricarlo, mantenendo sempre un equilibrio efficace tra architettura e atmosfera domestica.

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Paolo Abate

Paolo Abate, nato a Napoli nel 1996, arriva alla fotografia dopo una formazione in interior architecture, e questo passaggio si avverte con chiarezza nel suo modo di guardare gli spazi. Il suo lavoro si muove tra architettura, interni, viaggio e ricerca visiva sull’Italia, ma nel racconto dell’abitare emerge soprattutto una sensibilità atmosferica molto riconoscibile.

Le sue immagini non si fermano alla descrizione dell’ambiente: costruiscono un tono, restituiscono una presenza, lasciano entrare nello spazio anche una dimensione più narrativa e culturale. È uno sguardo che porta negli interni non solo precisione, ma anche profondità e immaginario.

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Francesca Iovene

Francesca Iovene è una fotografa indipendente con background in architettura, formata tra Cile e Italia e laureata al Politecnico di Milano. Questa matrice progettuale si riflette in un linguaggio visivo molto consapevole, capace di leggere lo spazio con rigore ma anche con sensibilità.

Nel suo lavoro la fotografia diventa uno strumento di interpretazione dell’architettura, non una semplice registrazione del costruito. Le immagini dedicate a progetti di studi come form_a, così come la sua presenza in contesti editoriali e culturali di rilievo, raccontano una pratica solida, attenta alla composizione, alla luce e alla qualità del racconto visivo.

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Giulia Maretti Studio

Giulia Maretti lavora come fotografa, stylist e art director tra Germania e Italia, muovendosi nel campo di interior, lifestyle e content creation per brand e clienti privati. Il suo sguardo si distingue per un’estetica naturale e pulita, molto attenta a materiali, texture e relazione con il contesto.

Nel suo lavoro fotografia, styling e costruzione dell’immagine convivono in modo molto fluido. Gli interni vengono raccontati non solo come spazi da mostrare, ma come atmosfere da costruire visivamente, con una sensibilità che si adatta bene anche al mondo dell’hospitality e alla comunicazione contemporanea del progetto.

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Mattia Bettinelli

Mattia Bettinelli lavora sugli interni con un approccio molto visivo, immediato, attento alla resa degli ambienti e alla forza dell’immagine. Il suo percorso si articola con chiarezza tra Interior, Commercial, Magazine e Portrait, e restituisce una pratica concreta, concentrata sul racconto dello spazio in diverse forme.

Le sue fotografie funzionano bene quando l’ambiente chiede pulizia, leggibilità e una presenza visiva forte ma ordinata. È uno sguardo che guarda agli interni con sensibilità contemporanea, valorizzando atmosfera, dettagli e composizione con un linguaggio diretto e ben riconoscibile.

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Depasquale+Maffini

Depasquale+Maffini, il duo formato da Michael DePasquale e Martina Maffini, lavora all’incrocio tra fotografia, design e architettura, con una presenza divisa tra Parigi e Milano. Il loro linguaggio visivo ha un taglio internazionale e molto editoriale, capace di muoversi con naturalezza tra progetto, brand e cultura dell’immagine.

Nel loro lavoro gli interni vengono raccontati con grande attenzione alla costruzione della scena, alla qualità della luce e alla presenza visiva dello spazio. È una fotografia che sa dialogare bene con pubblicazioni, committenze di alto profilo e contesti in cui l’architettura incontra una narrazione più sofisticata e contemporanea.

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Perché seguire questi fotografi oggi

Seguire i migliori fotografi italiani di architettura di interni significa osservare più da vicino non solo gli spazi, ma anche il modo in cui oggi vengono raccontati, interpretati e resi leggibili. Ogni interno contemporaneo, infatti, esiste due volte: nella sua presenza fisica e nella sua immagine. Ed è spesso proprio attraverso la fotografia che un progetto riesce a entrare nel dibattito editoriale, a costruire riconoscibilità e a lasciare una traccia visiva duratura.

Per questo una raccolta editoriale come questa non riguarda soltanto i nomi da conoscere, ma anche gli sguardi da imparare a leggere. C’è chi lavora sulla precisione architettonica, chi sulla qualità atmosferica degli ambienti, chi sul rapporto tra spazio, luce e materia, chi sulla costruzione di un immaginario più ampio legato all’abitare, all’hospitality o al lifestyle. In tutti i casi, però, il punto resta lo stesso: la fotografia di interni non è un accessorio del progetto, ma una parte essenziale del suo racconto.

Conoscere questi 26 fotografi italiani significa allora capire meglio come sta cambiando la rappresentazione degli spazi interni e, insieme, il nostro stesso modo di guardare case, hotel, showroom e ambienti contemporanei. Perché un interno ben progettato chiede di essere abitato, ma anche osservato con intelligenza. E molto spesso è proprio la fotografia a renderlo davvero memorabile.

L'articolo 26 fotografi italiani di architettura di interni e interior design da conoscere proviene da Archi & Interiors.

Perché oggi ha senso osservare i giovani architetti e gli studi italiani

Seguire oggi i giovani architetti italiani e i giovani studi di architettura italiani non significa inseguire una categoria anagrafica o compilare una lista di nomi emergenti per semplice effetto generazionale. Significa, piuttosto, osservare quella parte del progetto in cui il linguaggio è ancora in formazione ma già abbastanza solido da restituire una visione, un metodo, una postura critica. È in questa fascia che si colgono con maggiore precisione alcune delle tensioni più attuali dell’architettura contemporanea: il rapporto tra edificio e paesaggio, la riscoperta della materia come elemento narrativo oltre che costruttivo, la ridefinizione dello spazio domestico, la capacità di lavorare sul contesto senza cadere né nell’imitazione né nell’eccezione gratuita.

C’è poi un altro elemento che rende questa osservazione particolarmente interessante. In una stagione in cui l’architettura rischia spesso di essere ridotta a immagine rapida, i profili più convincenti riportano il discorso su un terreno più concreto: quello delle opere costruite, dei concorsi vinti, della ricerca applicata al progetto, della coerenza tra pensiero e forma. Guardare a questi nomi, quindi, non è un esercizio di tendenza, ma un modo per capire come stia cambiando davvero il progetto italiano, quali sensibilità stiano emergendo e quali visioni abbiano oggi la forza di trasformarsi in architettura.

Come si riconoscono i nomi più autorevoli della nuova generazione

Non tutta la visibilità coincide con l’autorevolezza, e non tutto ciò che appare nuovo riesce davvero a lasciare un segno nel dibattito architettonico. Quando si cerca di capire quali siano i giovani architetti da conoscere o i giovani studi italiani più interessanti, il punto non è misurare la quantità di esposizione mediatica, ma la qualità di un percorso. Contano le opere, il rapporto tra progetto e contesto, la capacità di attraversare scale diverse senza perdere identità, il riconoscimento che arriva da istituzioni, concorsi, mostre, premi e pubblicazioni di settore.

È qui che si distingue un nome promettente da un nome già rilevante. I profili più autorevoli non sono necessariamente quelli più esposti, ma quelli che mostrano una direzione leggibile nel tempo. Alcuni lavorano sulla profondità dello spazio e sulla precisione della materia, altri sul paesaggio e sulla dimensione territoriale, altri ancora su una pratica collettiva che tiene insieme architettura, ricerca e costruzione. In tutti i casi, ciò che conta è la presenza di un linguaggio che non dipende dalla superficie dell’immagine, ma dalla tenuta del progetto.

Peter Pichler: paesaggio, materia e una nuova idea di architettura alpina

Tra i giovani architetti italiani da conoscere, Peter Pichler è uno dei nomi che meglio interpretano il rapporto tra identità territoriale e linguaggio contemporaneo. Nato a Bolzano nel 1982, si è formato alla University of Applied Arts di Vienna nella masterclass di Zaha Hadid, collaborando nei primi anni anche con Zaha Hadid Architects e OMA / Rem Koolhaas, prima di fondare nel 2015 il proprio studio, Peter Pichler Architecture, con sede a Milano.

La sua architettura si distingue per un tratto preciso: il paesaggio non resta sullo sfondo, ma entra nella struttura stessa del progetto. Topografia, luce, tradizione costruttiva e materiali locali vengono rielaborati in un linguaggio netto, essenziale, mai folklorico. È questo equilibrio tra radicamento e chiarezza formale a rendere Pichler uno dei profili più interessanti della nuova scena italiana.

Il progetto che più di ogni altro ne ha consolidato il profilo internazionale è Oberholz Mountain Hut a Obereggen, nelle Dolomiti, realizzato dopo la vittoria di un concorso e sviluppato in collaborazione con Pavol Mikolajcak Architects. Completato nel 2017, il rifugio si colloca a circa 2.000 metri di altitudine e costruisce un dialogo molto preciso con il paesaggio montano attraverso una struttura in legno che si apre verso le cime circostanti.

In Oberholz si ritrovano i temi centrali del suo lavoro: il legno come materiale strutturale e atmosferico, la forma come risposta al luogo, l’apertura del volume verso il panorama, la capacità di produrre un edificio fortemente riconoscibile senza separarlo dalla cultura del territorio in cui nasce. Attorno a questo percorso si sono consolidati anche riconoscimenti importanti, tra cui il Europe 40under40 2020 e il Premi In/Architettura 2020 – Young Designer.

Grazzini Tonazzini Colombo: una pratica collettiva che rimette al centro luogo e spazio civico

Tra i giovani studi italiani da conoscere, Grazzini Tonazzini Colombo è uno dei nomi emersi con maggiore chiarezza negli ultimi anni. Lo studio nasce dal lavoro di Michele Grazzini e Andrea Tonazzini, con la collaborazione di Giorgia Colombo, e si muove tra una sensibilità radicata nel paesaggio delle Alpi Apuane e un’attività oggi sviluppata anche a Roma. Più che sulla firma individuale, il loro percorso si fonda su una pratica condivisa, costruita attorno all’interpretazione dei luoghi e alla dimensione pubblica del progetto.

Il loro lavoro si distingue per l’attenzione allo spazio civico, alla relazione tra architettura e comunità, all’uso di forme essenziali e materiali capaci di generare presenza senza ricorrere all’enfasi. È un approccio che legge il progetto non come esercizio di stile, ma come pratica di ascolto, sintesi e costruzione di significato.

Il progetto che li ha portati con più forza al centro del dibattito italiano è Quintessenza, vincitore di MAXXI NXT 2024, il programma del MAXXI dedicato alla promozione di una nuova generazione di architetti e alla valorizzazione dello spazio pubblico. Installato nella piazza del museo nell’estate del 2024, il progetto intreccia il tema della quinta scenica con quello del quinto elemento aristotelico, costruendo uno spazio al tempo stesso percorribile, teatrale e atmosferico.

A rafforzarne ulteriormente il profilo è arrivato il Premio Italiano di Architettura 2024 – Under 35, che ha confermato il rilievo dello studio oltre il contesto installativo del MAXXI. Accanto a Quintessenza, lavori come Sant’Anna Monument e Piobbico Tower mostrano una ricerca coerente sul rapporto tra architettura, memoria, paesaggio e piccoli dispositivi pubblici. In questo senso, Grazzini Tonazzini Colombo rappresenta una delle espressioni più nitide di una generazione che guarda meno all’icona e più al valore relazionale dello spazio.

SET Architects: essenzialità, proporzione e intensità dello spazio

Tra i giovani studi di architettura italiani, SET Architects ha costruito una propria identità con particolare chiarezza. Lo studio, con sede a Roma, è fondato e diretto da Onorato di Manno e Andrea Tanci ed è attivo tra architettura, urbanistica e design. La loro ricerca si orienta verso un’idea di architettura essenziale, basata su sintesi, proporzione e qualità dell’esperienza spaziale.

Quello che distingue SET non è la ricerca dell’effetto, ma il controllo della composizione. Nei loro progetti ricorrono la chiarezza del gesto architettonico, il rapporto calibrato tra pieni e vuoti, la volontà di costruire spazi leggibili e intensi anche attraverso forme ridotte all’essenziale. È una postura che restituisce un linguaggio coerente, misurato e facilmente riconoscibile.

L’opera che ha dato allo studio una visibilità più ampia è il Bologna Shoah Memorial, realizzato a Bologna nel 2016 dopo la vittoria del concorso internazionale dedicato al nuovo monumento cittadino. Due volumi in acciaio Corten, alti circa dieci metri, generano un passaggio che si restringe progressivamente, trasformando un segno semplice in un’esperienza spaziale di forte intensità simbolica.

Il memoriale ha avuto il merito di tradurre il tema della memoria in una forma architettonica asciutta, immediata, priva di retorica monumentale. Attorno a questo progetto si è consolidato il profilo pubblico dello studio, rafforzato anche dal Dedalo Minosse International Prize. Accanto a Bologna, lavori come House for a Couple e il New School Complex in Sassa confermano una ricerca coerente, fondata sull’idea di architettura come costruzione di ordine, misura e presenza.

AMAA: materia, tipologia e una ricerca che ripensa l’abitare contemporaneo

Tra i giovani studi italiani da conoscere, AMAA occupa una posizione sempre più rilevante. Fondato a Venezia nel 2012 da Marcello Galiotto e Alessandra Rampazzo, dopo una formazione comune allo IUAV e un percorso professionale che incrocia figure come Massimo Carmassi e Sou Fujimoto, lo studio ha costruito una pratica in cui progetto e riflessione critica procedono insieme.

Il loro lavoro non cerca l’effetto immediato, ma si muove su un terreno più complesso, dove tipologia, materia, atmosfera e abitare diventano strumenti per rimettere in discussione forme consolidate dello spazio contemporaneo. In AMAA c’è una tensione costante tra controllo e sperimentazione: ogni progetto sembra nascere da una domanda sul modo in cui si vive, si attraversa e si percepisce uno spazio.

Uno dei progetti più efficaci per leggere questa ricerca è Golden Box, completato ad Arzignano, in provincia di Vicenza, e molto pubblicato nel 2024. Il progetto inserisce un volume quasi cubico, rivestito in ottone e marmo verde imperiale, all’interno di un piccolo appartamento del primo Novecento liberato dalle partizioni originarie. Più che una semplice ristrutturazione, Golden Box si presenta come un’architettura dentro l’architettura, capace di ridefinire radicalmente l’idea di interiorità domestica.

A consolidare il profilo dello studio ha contribuito anche la presenza nella Biennale Architettura di Venezia 2023, all’interno di Dangerous Liaisons, con un lavoro dedicato al riuso dell’ex base NATO di Monte Calvarina. È un passaggio importante, perché conferma come il lavoro di Galiotto e Rampazzo venga ormai letto non solo sul piano del progetto costruito, ma anche come contributo al dibattito contemporaneo sulla trasformazione dei territori e sul senso dell’abitare. In questo equilibrio tra ricerca, costruzione e sensibilità materica, AMAA rappresenta una delle linee più convincenti della nuova architettura italiana.

ellevuelle architetti: recupero, misura e continuità critica nel progetto contemporaneo

Tra i giovani studi italiani da conoscere, ellevuelle architetti è un nome che merita attenzione per la coerenza con cui ha costruito il proprio percorso. Lo studio ha base a Modigliana, in Emilia-Romagna, ed è formato da Giorgio Liverani, Luca Landi, Michele Vasumini e Matteo Cavina, con una pratica che si concentra in particolare sul recupero dell’esistente, sugli spazi residenziali e su interventi capaci di lavorare con precisione dentro contesti stratificati. La loro presenza nel programma Europe 40under40 e la menzione su Casabella nella selezione dei giovani designer under 30 hanno contribuito a consolidarne il profilo nel circuito professionale.

Il progetto che oggi li rende particolarmente interessanti è Effevu House, pubblicato da ArchDaily nel 2026.

L’intervento si inserisce in un sistema rurale composto da una casa in pietra e da un ex fienile, e lavora non per imitazione ma per continuità critica, introducendo un nuovo volume abitato che mette in relazione i corpi esistenti senza annullarli. È un approccio che dice molto della loro architettura: attenzione alla memoria costruttiva, misura, capacità di intervenire sull’esistente senza retorica. In un articolo sulla nuova generazione italiana, ellevuelle ha senso proprio per questo: perché rappresenta una linea del progetto meno esibita, ma molto solida.

false mirror office: ricerca, progetto e una pratica collettiva che attraversa l’architettura contemporanea

Tra i profili più interessanti della nuova scena italiana, false mirror office occupa una posizione particolare. Il collettivo, con base a Genova, nasce dall’incontro di progettisti formati alla Scuola Politecnica genovese e accomunati da esperienze maturate anche in studi internazionali. Il team riunisce Giovanni Glorialanza, Andrea Anselmo, Gloria Castellini, Guya Di Bella, Filippo Fanciotti e Boris Hamzeian e costruisce il proprio terreno comune attorno a una riflessione condivisa su morfologia, forma e rappresentazione alle diverse scale del progetto.

Più che attorno a un singolo edificio-manifesto, il loro percorso si sviluppa come una traiettoria collettiva che attraversa architettura, ricerca, workshop e progetto pubblico. È una pratica che guarda con particolare attenzione ai paradigmi della città contemporanea, mettendo in discussione letture troppo generiche di concetti come adattabilità, tradizione e sostenibilità. In questo senso, il concorso diventa per il collettivo un vero campo di verifica critica, uno spazio in cui misurare la possibilità di risposte specifiche, contestuali e mai standardizzate.

Un passaggio importante del loro percorso è rappresentato da The False Mirror, progetto vincitore a Trondheim, in Norvegia, nell’ambito di Europan. Il lavoro affronta il tema dell’adattabilità urbana non come semplice somma di dispositivi flessibili, ma come occasione per ridefinire il rapporto tra forme del passato e necessità future. Intervenendo sul distretto di Strandveikaia, il progetto rilegge alcuni archetipi profondamente legati alla storia di Trondheim — i magazzini sul fiume, il rapporto tra terra e acqua, le infrastrutture portuali — e costruisce una visione urbana in cui memoria e trasformazione entrano in dialogo senza annullarsi.

È proprio questa capacità di tenere insieme pensiero teorico, progetto urbano e attenzione alla permanenza delle forme a rendere false mirror office un nome interessante da inserire in una selezione dedicata alla nuova generazione. Dentro una mappa dei nuovi protagonisti italiani, il collettivo introduce una sensibilità diversa, meno centrata sull’opera iconica e più attenta alla costruzione di un pensiero progettuale capace di muoversi tra disciplina, ricerca e cultura architettonica contemporanea.

Francesca Perani: interni, identità visiva e una pratica che unisce architettura e cultura

Tra le architette italiane contemporanee più interessanti da osservare per comprendere l’architettura di domani, Francesca Perani rappresenta una voce riconoscibile per il modo in cui tiene insieme progetto, interni, linguaggio visivo e intervento culturale. Laureata al Politecnico di Milano, con esperienze formative e professionali tra Belgio, Australia e Regno Unito, ha fondato nel 2007 il suo studio, Francesca Perani Enterprise, con sede a Bergamo. Le fonti ufficiali la descrivono come una figura che si muove tra architettura, design, branding, grafica e allestimento, con un approccio che unisce sperimentazione materica, ironia e forte carica espressiva.

A rendere il suo profilo particolarmente interessante è anche il lavoro svolto sul piano culturale con RebelArchitette, associazione no profit di cui è indicata come president e co-fondatrice, nata per dare maggiore visibilità al lavoro delle donne in architettura e promuovere un’idea più equa e plurale della professione.

Questa dimensione non sostituisce il progetto, ma ne amplia il significato: nel caso di Francesca Perani, l’architettura non è soltanto costruzione di spazio, ma anche costruzione di immaginari, rappresentazioni e strumenti culturali. È proprio questa doppia natura — progettuale e critica — a renderla un nome coerente con un articolo che vuole raccontare i profili più vivi e meno scontati della nuova scena italiana.

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Parlare oggi di studi di architettura a Torino significa, dunque, osservare un campo progettuale articolato, nel quale convivono pratiche diverse per scala, linguaggio e orientamento, ma spesso accomunate da una comune attenzione alla qualità dello spazio e alla responsabilità dell’intervento. Dalla residenza alla riqualificazione, dall’interior all’hospitality, dal paesaggio urbano al progetto culturale, emerge una costellazione di esperienze che contribuisce a restituire l’immagine di una città ancora capace di produrre riflessione, metodo e visione attraverso l’architettura.

Quella che segue non è una classifica né un elenco chiuso, ma una selezione editoriale dei 25 migliori studi di architettura a Torino da conoscere oggi. Una mappa ragionata che riunisce nomi affermati, realtà consolidate e profili più recenti, scelti per la coerenza del percorso, la riconoscibilità dell’approccio e la capacità di interpretare, ciascuno a proprio modo, il volto attuale del progetto torinese.

Benedetto Camerana Studio

Tra i nomi più autorevoli dell’architettura torinese contemporanea, Benedetto Camerana Studio occupa una posizione difficilmente eludibile per continuità, riconoscibilità e capacità di incidere in modo concreto sull’immaginario urbano della città. Fondato a Torino nel 1997, lo studio ha costruito nel tempo un percorso che intreccia architettura, paesaggio, trasformazione urbana e progetto culturale, muovendosi con disinvoltura tra interventi pubblici e privati, grandi complessi e dispositivi più simbolici. A Torino la sua traccia è particolarmente leggibile in opere come il Villaggio Olimpico, il Campus Luigi Einaudi, il Juventus Museum e soprattutto La Pista 500 al Lingotto, progetto che ha restituito una nuova dimensione pubblica e paesaggistica a uno dei luoghi più emblematici della città. Più che inseguire un gesto formale immediatamente spettacolare, il lavoro di Camerana si distingue per una misura progettuale colta, capace di interpretare l’identità dei luoghi e di tradurla in architetture che dialogano con la memoria urbana senza cristallizzarla.

Carlo Ratti Associati

Nel panorama degli studi di architettura legati a Torino ma attivi su una scena pienamente internazionale, Carlo Ratti Associati rappresenta uno dei riferimenti più riconoscibili. Fondato da Carlo Ratti, architetto e docente al MIT, lo studio ha sede a Torino e opera anche a New York e Londra, sviluppando progetti che mettono in relazione architettura, spazio urbano, tecnologia e ricerca. Questa impostazione emerge con chiarezza anche nei lavori che toccano la città, dove il progetto non viene inteso come semplice costruzione di forme, ma come dispositivo capace di attivare nuove relazioni tra persone, luoghi e sistemi. A Torino, il nome dello studio si lega a interventi come The Greenary per i Murazzi del Po, alla riqualificazione di Palazzo Micca e al progetto per il nuovo Sella Open Innovation Center nell’area dell’ex Caserma La Marmora. Più che su un linguaggio immediatamente riconoscibile in senso stilistico, Carlo Ratti Associati ha costruito la propria autorevolezza sulla capacità di coniugare sperimentazione, visione urbana e applicazione concreta, rendendo il progetto uno strumento di lettura del presente oltre che di trasformazione dello spazio.

Isolarchitetti

Tra gli studi che hanno contribuito in modo più continuo e autorevole a definire il profilo architettonico di Torino, Isolarchitetti occupa un posto di assoluto rilievo. Lo studio raccoglie l’eredità della storica esperienza di Gabetti & Isola e ha costruito nel tempo un percorso in cui architettura, restauro, paesaggio e progetto urbano si intrecciano con particolare coerenza. È proprio questa capacità di lavorare tra memoria e trasformazione a renderlo centrale nel contesto torinese, dove il confronto con l’esistente non è mai un semplice dato di contorno ma una condizione strutturale del progetto. A Torino la sua presenza si riconosce in interventi come il Centro del Design di Mirafiori, il masterplan di Spina 3, il restauro e la riqualificazione delle Orangerie dei Musei Reali e, più in generale, in una serie di lavori che testimoniano una pratica progettuale colta, disciplinata e profondamente radicata nella città. Più che sull’effetto, Isolarchitetti ha costruito la propria identità sulla durata, sulla precisione e su una idea di architettura capace di misurarsi con la complessità storica e urbana senza rinunciare alla chiarezza del linguaggio.

Gruppo Building con BP+P Boffa, Petrone & Partners

Nel panorama torinese della riqualificazione e dell’abitare contemporaneo, Gruppo Building rappresenta una delle realtà che hanno inciso con maggiore continuità sulla trasformazione del patrimonio architettonico della città. All’interno del gruppo opera lo studio BP+P Boffa, Petrone & Partners, specializzato in progettazione architettonica, studi di fattibilità, interior design, ristrutturazione edilizia, restauro e direzione lavori. A Torino, il lavoro del Gruppo Building e di BP+P si lega a interventi ormai riconoscibili come The Number 6, trasformazione di un edificio barocco a pochi passi da piazza San Carlo e premiato da ArchDaily come Building of the Year 2015 nella categoria restauro, ma anche a progetti come Lagrange12, Quadrato e all’intervento per le nuove OGR – Officine Grandi Riparazioni. È attraverso operazioni di questo tipo che il Gruppo Building, insieme a BP+P Boffa, Petrone & Partners, ha costruito una presenza precisa nella Torino contemporanea, fondata sulla capacità di reinterpretare l’esistente e di tradurlo in una visione dell’abitare colta, attuale e fortemente radicata nel contesto urbano.

Balance Architettura

Tra gli studi torinesi che negli ultimi anni hanno consolidato con maggiore chiarezza una posizione riconoscibile nel panorama contemporaneo, Balance Architettura occupa un posto sempre più rilevante. Fondato a Torino nel 2011, lo studio lavora tra architettura, allestimento e urbanistica, con un approccio che unisce controllo compositivo, attenzione materica e capacità di misurarsi con contesti complessi senza irrigidirsi in un linguaggio autoreferenziale. La sua crescita è stata accompagnata anche da un riconoscimento critico preciso: nel 2022 ha ricevuto il premio Giovane Talento dell’Architettura Italiana, segnale di una maturità progettuale ormai pienamente osservata anche sul piano disciplinare. A Torino il nome dello studio si lega, tra le altre cose, alla partecipazione al concorso per la Cavallerizza Reale e soprattutto al recente team vincitore per la riqualificazione della GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, insieme a MVRDV ed EP&S Group, passaggio che ne conferma il peso crescente all’interno della scena cittadina. Più che sull’enfasi del segno, Balance Architettura sembra fondare la propria identità su una idea di progetto misurata ma nitida, capace di tenere insieme ricerca, città e trasformazione contemporanea.

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