Il nuovo studio fondato da Caline Chagoury-Moudaber unisce due spazi, produzione e curatela. The Design Institute mette al centro manifattura, materiali e circolazione del progetto dell’Africa occidentale.
Il nuovo studio fondato da Caline Chagoury-Moudaber unisce due spazi, produzione e curatela. The Design Institute mette al centro manifattura, materiali e circolazione del progetto dell’Africa occidentale.
A Lagos ha aperto Casa Mouda, uno studio creativo distribuito su due sedi che prova a colmare una distanza spesso invisibile nelle grandi rassegne internazionali: quella fra la qualità di un’idea e le condizioni necessarie per produrla, raccontarla e farla circolare. La notizia non coincide con l’annuncio del progetto, diffuso il 9 settembre, ma con la sua effettiva entrata in scena, documentata il 9 novembre da Wallpaper*. È una distinzione importante, perché consente di osservare non soltanto un programma, ma ambienti, oggetti e relazioni già messi alla prova.
Fondata dall’imprenditrice dell’arte e del design Caline Chagoury-Moudaber, Casa Mouda nasce dall’esperienza di Art Twenty One, spazio aperto nel 2013, e assume una forma più ampia: non una galleria tradizionale, ma una piattaforma che dichiara di voler produrre, promuovere e sostenere il design contemporaneo. L’esordio si intitola The Design Institute e riunisce autori dell’Africa occidentale, progettisti della diaspora e pratiche che attraversano mobile, luce, vetro, tessitura e arte applicata.
Due spazi, due modi di incontrare il progetto
La struttura si articola tra AiMe Gallery, all’interno dell’Eko Hotel, e AiMe Concept, affacciato sull’Eko Atlantic Marina. Il primo spazio è stato ripensato con la consulenza dell’architetto Papa Omotayo di MOE+AA; il secondo nasce dalla collaborazione con Gemma Sfeir e Nifemi Marcus-Bello. Non sono due contenitori equivalenti. AiMe Gallery costruisce una sequenza espositiva più concentrata, mentre AiMe Concept è pensato come luogo ibrido per incontri, sperimentazione e interventi all’aperto.
Questa differenza si legge anche nell’allestimento. Gli oggetti non sono isolati come pezzi autosufficienti, ma composti in scene domestiche: librerie, sedute, sculture, lampade e superfici entrano in relazione e suggeriscono una possibile vita quotidiana. È una scelta commerciale, perché rende più immediato immaginare un insieme acquistabile, ma anche curatoriale. Invece di chiedere al visitatore di conoscere in anticipo il lessico del collectible design, lo spazio mostra come proporzioni, materiali e funzioni possano convivere.
La dimensione sensoriale prosegue nel caffè KoFi, presente in entrambe le sedi, nelle pareti dalla finitura sabbiosa che richiamano il paesaggio costiero e nel paesaggio sonoro composto da Malloy James. Sono dispositivi che allungano la permanenza e riducono la distanza fra esposizione e uso. Per chi progetta interni, il passaggio è concreto: la cultura del prodotto non si costruisce soltanto con una vetrina ben illuminata, ma attraverso soglie, ritmi, suono e occasioni d’incontro.
Dal racconto della materia alla possibilità di produrre
Il nucleo più significativo di The Design Institute riguarda però la manifattura. Il comunicato di lancio presenta Casa Mouda come uno strumento per rimuovere ostacoli alla produzione, all’esposizione e all’esportazione del design realizzato in Africa occidentale. L’apertura permette di capire come questa ambizione venga tradotta. Per alcune opere di Jean Servais Somian e Germane Barnes, Chagoury-Moudaber ha attivato una collaborazione con UFI, azienda di mobili legata alla sua famiglia, mettendo a disposizione capacità produttiva e legno locale di iroko.
Non è un dettaglio organizzativo. Nel settore del design d’autore, la visibilità internazionale tende a concentrarsi sull’oggetto finito, lasciando sullo sfondo prototipazione, accesso alle macchine, controllo di qualità e continuità delle forniture. Casa Mouda sposta l’attenzione su questo passaggio intermedio. Sostenere un autore significa anche rendere possibile la serie, per quanto limitata, e costruire una filiera che non obblighi ogni progetto a cercare altrove le competenze necessarie.
La selezione iniziale mette insieme le librerie di Nifemi Marcus-Bello, le sedute e i contenitori di Germane Barnes, le sculture luminose di Marie-Paule Tano, i vetri indossabili di Bubu Ogisi, i lavori del collettivo Hall Haus e la cestineria di Baba Tree, accanto a opere di People of the Sun e Midegbeyanevesho Ojisua. La mostra è volutamente mobile: gli oggetti entreranno e usciranno dalla composizione, modificando le letture possibili. Più che fissare un canone, il progetto sembra voler rendere visibile una rete.
Perché conta adesso
Casa Mouda arriva poche settimane dopo una Design Week Lagos dedicata al passaggio “dalla materia al mercato”. La coincidenza chiarisce il problema: la ricchezza di materiali e saperi non produce automaticamente un’industria capace di sostenerli. Servono luoghi in cui la curatela incontri il prototipo, la produzione dialoghi con la comunicazione e il pubblico locale non sia trattato come una tappa secondaria rispetto a Londra, Milano o New York.
In Europa, una mostra come Nue: Black Aesthetic Reimagined al Design Museum di Londra ha mostrato quanto sia necessario sottrarre il design nero a letture monolitiche. Casa Mouda aggiunge un altro livello: la rappresentazione è più solida quando si accompagna a strumenti di produzione e a una sede radicata nel territorio. Anche rispetto al circuito delle fiere, raccontato di recente attraverso Collectible New York, il nuovo spazio di Lagos indica una direzione complementare: non soltanto portare gli oggetti verso il mercato, ma rafforzare l’ecosistema da cui provengono.
Per progettisti e aziende, la lezione è semplice ma esigente. Un interno culturale o commerciale può diventare infrastruttura quando mette in relazione mostra, manifattura, ospitalità e apprendimento; quando il credito agli autori non sostituisce il lavoro sulle condizioni che consentono loro di produrre. Casa Mouda dovrà dimostrare nel tempo la continuità del programma, la sostenibilità economica e l’effettiva apertura verso una pluralità di pratiche. Intanto, il suo debutto restituisce al design africano qualcosa di più prezioso di una vetrina: un luogo in cui decidere come essere realizzato, raccontato e custodito.
